a carón do blues

LIGHTNIN´ HOPKINS

2012-02-08T16:51:00.000+01:00

1912 - 1982

Voz, guitarra.

La obra publicada por Hopkins es una de las más extensas del género. Estamos ante una de las figuras clave en la historia del blues de Texas, del que fue todo un innovador. Era un compositor extraordinario, un cantante profundo y un guitarrista anárquico e improvisador. Fue también uno de los primeros bluesmen que aprovechó los recursos de la guitarra eléctrica.

Sam Hopkins nació el 15 de marzo de 1912 en Centerville (Texas), en el seno de una humilde familia de campesinos. Tres años después, tras la muerte de su padre, la familia se trasladó a Leona, siendo allí donde Sam comienza a tener sus primeros contactos con la música, al incorporarse con asiduidad a los coros de las iglesias locales.

Cuando contaba unos 8 años de edad se produjo un hecho clave en su vida. En una fiesta en el campo conoce a Blind Lemon Jefferson. El impacto fue tal que, como el propio Hopkins declararía años más tarde, fue entonces cuando se dio cuenta que el blues estaba "dentro de él.". Decidido a no perder tiempo, comenzó a aprender rápidamente de su primo lejano Texas Alexander y de Lonnie Johnson, con los que llegaría a actuar en numerosas ocasiones al inicio de su carrera.

A mediados de los años treinta fue condenado a prisión y hacia finales de la década, ya recuperada la libertad, se trasladó con Alexander a Houston, en un claro intento de conseguir el éxito en la escena musical local. Allí comenzaron a tocar en fiestas rurales, bares o en la calle, pero sin suerte. A principios de los años cuarenta había vuelto a Centerville para trabajar como granjero. El futuro musical soñado por Hopkins parecía enterrado... al menos provisionalmente.

Después de sobrevivir precariamente varios años, Hopkins empezó a tocar la guitarra con el pianista Wilson Smith, y fue entonces cuando se presentó una segunda oportunidad. Fueron descubiertos por un cazatalentos de Aladdin Records, quien les convenció para que grabasen juntos. Ambos viajaron a Los Angeles y grabaron 12 temas en 1946. Un ejecutivo avispado decidió utilizar el apodo "Lightnin´" para el guitarrista y "Thunder" para el pianista; de esta forma el dúo se llamó "Thunder and Lightnin´" (Trueno y Relámpago). Las grabaciones se sucedieron en los años posteriores, aunque ya en solitario, obteniendo un éxito más que aceptable. Sin embargo Hopkins era una persona muy afincada a su tierra. Pronto sintió la nostalgia de su lugar de procedencia, y decidió volver a Houston.

Lightnin´ Hopkins era ahora alguien conocido en el circuito musical y comenzó a grabar de nuevo, esta vez para Gold Star Records. Con "Baby Please Don´t Go" alcanzó el éxito ansiado. A partir de ahí, entre 1947 y 1954 no actuaría nunca fuera de Texas pero registraría más de 200 canciones, algunas de ellas tocadas ya con guitarra eléctrica. "Short Haired Woman", "Lonesome Home", "Tim Moore Farm", "Coffee Blues" o "Hello Central" tuvieron un impacto considerable entre el público negro local y nacional.

La reputación de Lightnin creció rapidamente y, hasta 1954, fue uno de los artistas negros más populares y cuya influencia se podía apreciar en muchos de sus contemporáneos. Cuando las cosas parecían ir por fin por el buen camino, su carrera artística se vio nuevamente frenada. A partir de entonces y hasta 1959 Hopkins no volvió a realizar ninguna grabación, en gran medida a causa del advenimiento del rock and roll y de la sofisticación del blues urbano.

En 1959, Mack MacCormik y Samuel Charters redescubrieron a Lightnin´ y, aprovechando el revival del folk, le hicieron grabar con guitarra acústica en un estilo más folklórico y country. Lightnin´ no perdió tiempo en adaptarse a su nueva condición y llegó a ser uno de los más conocidos artistas del "blues revival", reemplazando a Big Bill Broonzy en el papel del "último artista de blues tradicional vivo".

A comienzos de los sesenta, la reputación de Hopkins como intérprete de blues se había consolidado, alcanzando finalmente el éxito y reconocimiento que merecía. Entre 1960 y 1966 hizo numerosas grabaciones para compañías muy diferentes, pero la mayoría de estas grabaciones no son en absoluto repetitivas o mediocres, porque Lightnin´ casi siempre improvisaba las letras de sus blues y casi nunca repetía los mismos textos. En 1962 la revista musical Down Beat lo eligió como el mejor vocalista del año y comenzó a hacer también giras, actuando en festivales de folk y campus universitarios en los Estados Unidos. En 1964 superó su miedo a volar, viajando a Europa como parte del American Folk Blues Festival.

En 1966 decidió abandonar su papel de líder del blues revival y se estableció permanentemente en Houston, tocando casi exclusivamente en el estado de Texas (con algunas escapadas a California o New York) y haciendo algunas grabaciones para la compañía de su amigo Chris Strachwitz, Arhoolie Records.

En 1970, como consecuencia de un accidente de circulación, su actividad comenzó a decaer considerablemente. En 1974 dejó de grabar y, en 1977, visitó Europa por segunda y última vez en su vida.

En 1981 se le diagnosticó un cáncer de esófago, del que fue intervenido. Finalmente, esta fatal enfermedad acabaría con su vida el 30 de enero de 1982.

DISCOGRAFÍA SELECCIONADA:

- The Complete Aladdin Recordings
- The Gold Star Sessions (Vol. 1 & 2)
- Lightnin´ And The Blues: The Herald Sessions
- Lightnin´ Hopkins
- How Many More Years I Got
- The Complete Prestige/Bluesville Recordings
- Mojo Hand: The Anthology
- Texas Blues Giant

"Mojo Hand" (American Folk Blues Festival 1964)

"Baby Please Don´t Go" (1967)

En proceso

2012-02-04T13:09:00.000+01:00

Cuando empecé con el blog hace casi tres años, no tenía una idea clara de hasta donde llegaría. Tampoco la tengo ahora, aunque los objetivos parecen estar cada vez más claros.

La idea surgió de improviso. Tenía varios pequeños artículos publicados en una revista del Instituto donde trabajo, y pensé que podría ser buena idea compartirlos en la red. Es una cuestión más didáctica que otra cosa.

El blues es un género musical minoritario y de difícil acceso en la red para los hispano hablantes, y pensé que podría ser una buena idea dejar constancia de mi trabajo en la red, aportando mi granito de arena. Comentaba por aquí hace unos días lo difícil que resulta, para los que no dominamos el inglés, conseguir información de este enorme dinosaurio que es el blues. Con el paso de los años, y a cuentagotas, se van publicando en castellano cosas interesantes... a veces muy interesantes, pero es tan sólo una pequeña gota en un mar de información que nos estamos perdiendo.

A día de hoy la intención sigue siendo la misma. No ha cambiado. Me he propuesto seguir añadiendo entradas mientras pueda. Todavía me quedan muchos artistas por descubrir y en ello estoy, en proceso... poco a poco y día a día.

Espero que los que me visitais, os sigais acercando por aquí muy a menudo.

Va por vosotros!

"In Session"

2012-02-01T08:36:00.000+01:00

A las puertas de las navidades de 1983, se reúnen en los estudios de grabación de la televisión privada canadiense CHCH-TV, en Ontario, Albert King y Stevie Ray Vaughan, maestro y alumno respectivamente. Juntos graban una extensa jam session de blues que no vería la luz por primera vez en disco hasta el 17 de agosto de 1999. En el 2010 el proyecto fue retomado, publicando la versión definitiva en cd y dvd. "In Session" es toda una inyección de blues eléctrico sin concesiones, sin medias tintas ni adornos. Una demostración total de adrenalina guitarrera.

A finales de 1983, y tras su exitosa colaboración con David Bowie, Stevie Ray Vaughan empezaba a darse a conocer al gran público. Acompañado de su banda de siempre (Double Trouble), acababa de publicar por fin su primer larga duración, "Texas Flood", y su nombre estaba empezando a sonar cada vez con más fuerza en el círculo blues-rock mundial.

Albert King, sin embargo, llevaba casi treinta años de carrera y era una de las grandes figuras del blues internacional. Su nombre era respetado e idolatrado aunque, en aquella época, su trayectoria profesional estaba en claro declive. Lejos quedaban sus mejores años en Stax Records, durante los años sesenta y setenta.

Cuando a King le propusieron hacer el programa con Stevie Ray Vaughan, no sabía de quien le estaban hablando y se mostró reticente a colaborar. Entonces, cuando se lo presentaron , lo reconoció: era "Little Stevie", el chico que siempre merodeaba por los alrededores cada vez que tocaba cerca de Austin, en Texas. Albert King era uno de los grandes ídolos del joven tejano. Stevie se mostró entusiasmado con la idea, y entonces Albert accedió.

El 6 de diciembre tuvo lugar el histórico encuentro. La banda se completó con los que por aquel entonces acompañaban al maestro: Tony Llorens a los teclados, Gus Thornton al bajo y Michael Llorens a la batería

Bajo un ambiente distendido y relajado (podemos escuchar varias conversaciones entre tema y tema), el set list se compuso en su mayor parte de temas típicos en los shows de King, con algún añadido de la cosecha de SRV. En concreto "Pride and Joy" fue una de las elegidas por Vaughan, ante el asombro y sorpresa del propio Albert, que alucinaba con la destreza de su joven alumno.

Esta fue la única colaboración que se les conoce. Parte del programa grabado sería emitido por la cadena canadiense poco después. Sin embargo ahí se quedó la cosa, y no vería la luz en formato cd hasta 15 años después. En septiembre de 2010 se vuelve a publicar en una nueva versión remasterizada con la inclusión, por primera vez, del dvd de la grabación. El largamente esperado vídeo oficial, que había circulado en baja calidad entre los fans durante décadas, veía por fin la luz, y se cerraba definitivamente una puerta que había permanecido entreabierta demasiado tiempo.

"In Session" es una joya que no debería perderse ningún seguidor de ambos artistas... ni ningún amante del blues eléctrico de calidad.

- Call It Stormy Monday (9:00)

- "Old Times" (1:15)
- Pride and Joy (6:01)
- Ask Me No Questions (5:01)
- "Pep Talk" (0:52)
- Blues at Sunrise (15:10)
- "Turn It Over" (0:51)
- Overall Junction (8:04)
- Match Box Blues (7:55)
- "Who Is Stevie?" (0:44)
- Don't Lie to Me (8:57)

DVD

- Introduction
- Born Under A Bad Sign
- Texas Flood
- Call It Stormy Monday
- "Old Times"
- Match Box Blues
- "Pep Talk"
- Don´t Lie To Me
- "Who Is Stevie?"
- Pride And Joy
- I´m Gonna Move To The Outskirts Of Town
- Outro

Ann Arbor Blues Festival 1969

2012-01-20T18:57:00.000+01:00

Si nos situamos en agosto de 1969 y pensamos en un festival de música al aire libre, el primero que nos viene a la mente es el gigantesco festival de Woodstock, en Nueva York. Es lógico, el evento rompió todos los récords conocidos hasta la fecha, y sigue siendo un referente para músicos y aficionados al rock en todo el mundo. Pero lo cierto es que, dos semanas antes, en la pequeña localidad de Ann Arbor, cerca de Michigan, se celebró otro festival que no tuvo tanta repercusión mediática, pero que para muchos fue el verdadero gran evento de la década. Estoy hablando del primer festival de blues celebrado en los Estados Unidos. El primer Ann Arbor Blues Festival congregó en tan sólo tres días, a la mayor cantidad de bluesman que jamás se ha visto sobre un escenario.

Durante los años sesenta el interés por el blues en los Estados Unidos había ido paulatinamente en aumento. Gran culpa la tuvo la oleada de artistas que llegaron de las islas británicas casi consecutivamente. The Rolling Stones, The Animals, The Who o The Kinks hicieron crecer el entusiasmo por ese nuevo blues-rock que introdujo a los jóvenes oyentes americanos en el blues más tradicional que se hacía en su propio país. Janis Joplin, Paul Butterfield, Canned Heat, Steve Miller y Fleetwood Mac, entre otros, vendieron millones de discos gracias a las versiones que, cada vez con más frecuencia, hacían de los genuinos bluesman americanos. Todo esto propició un aumento en el interés del trabajo de tantos y tantos artistas que estaban completamente olvidados o ignorados. Se produjo entonces un enorme contraste entre los músicos negros que buscaban dinero para subsistir, con el público asistente, en su mayoría jóvenes blancos y acomodados.

El Ann Arbor Blues Festival fue creado por un pequeño grupo de estudiantes de la Universidad de Michigan, con el objetivo final de recaudar fondos. Pocos podían esperar que una pequeña localidad, alejada del Sur y con una minoritaria población negra, fuera a convertirse en el lugar donde se celebrase el primer y más importante festival de blues del país.

Los organizadores consiguieron convencer al Centro de Actividades de la Universidad y a la Cámara de Canterbury, para recaudar la increíble cantidad de 70.000 dólares para organizar el evento. Con el apoyo económico asegurado, y para no correr riesgos, los jóvenes organizadores decidieron hacer una prueba para ver como respondía la gente. Decidieron buscar un músico negro dispuesto a hacer un pequeño concierto gratuito a modo de presentación. El artista elegido fue un guitarrista entonces desconocido: Luther Allison.

Allison llegó a Ann Arbor a finales de abril, para realizar una actuación en directo en el salón del sindicato de estudiantes. Cuando comenzó el concierto, la cosa no estaba muy animada, había poco público asistente. Según fue avanzando el electrizante show de Allison, la gente empezó a llegar de todas partes del campus y el salón se quedó ridículamente pequeño. La prueba había sido un rotundo éxito y el espectáculo debía continuar. La maquinaria de contratación se puso en marcha.

El viernes 1 de agosto de 1969 a las 7:30 de la tarde se inició el Festival con la actuación de Roosevelt Sykes. Durante los siguientes dos días los 20.000 asistentes pudieron disfrutar de casi 24 horas ininterrumpidas del mejor blues que el país podía ofrecer. El primer Ann Arbor Blues Festival de la historia fue un éxito desde cualquier punto de vista.

Uno de los organizadores del festival, Ken Whipple, relató cómo había conocido a B.B. King tras su actuación. “Él me pasó el brazo por encima”, dijo Whipple, “me preguntó mi nombre y me dijo que era algo impresionante para él poder estar allí. Había lágrimas en sus ojos. Me dijo que era la cosa más grande del mundo”.

El Ann Arbor Blues Festival de 1969 sirvió de ejemplo a los festivales que se organizaron posteriormente, pues a pesar de las decenas de artistas a los que contrataron, no sólo se recuperó la inversión original de 70.000 dólares, si no que se obtuvo un beneficio final superior a los 200 dólares.

En los años posteriores hubo más ediciones, pero ninguna alcanzó el éxito de aquellos mágicos tres días en agosto de 1969.

VIERNES (1 de agosto)

Roosevelt Sykes

Mississippi Fred McDowell

J.B. Hutto and The Hawks

Jimmy Dawkins

Junior Wells

B.B. King

SÁBADO (2 de agosto)

Sleepy John Estes

Luther Allison

Clifton Chenier

Otis Rush

Howlin´ Wolf

Muddy Waters

DOMINGO (3 de agosto)

Arthur “Big Boy” Crudup

Jimmy Dawkins

Roosevelt Sykes

Luther Allison and The Blue Nebulae

Big Joe Williams

Magic Sam

Big Mama Thornton

Freddie King

Sam Lay

T-Bone Walker

Son House

Charlie Musselwhite and Freddy Roulette

Lightnin´ Hopkins

James Cotton

Todas las fotografías cortesía de Bob Frank (www.bluelunch.com)

BLIND LEMON JEFFERSON

2012-01-12T21:55:00.000+01:00

1893 - 1929

Voz, guitarra.

Para conocer y entender la historia del blues tenemos que empezar por la obra de Blind Lemon Jefferson. Entre 1926 y 1929 grabó más de 90 temas que constituyen una de las principales raíces del blues y que gracias a su éxito, le convirtieron en el primer cantante y compositor masculino de la época, que por aquel entonces estaba dominada por Bessie Smith, Ma Rainey o Ida Cox. Fue uno de los primeros artistas tejanos en hacer grabaciones, y su repertorio fue utilizado por sus contemporáneos, sus sucesores y por otros artistas rurales en el Sur.

Muchos de los datos de la vida de Blind Lemon Jefferson son desconocidos o de dudosa credibilidad. Tan sólo se conserva una fotografía suya tomada alrededor de 1926, y ni siquiera se sabe con exactitud si la ceguera que padecía era o no de nacimiento. La fecha más probable donde nació nos sitúan en 1897 cerca de Couchman, Texas. Era el menor de siete hermanos. Su padre era granjero y sus primeros pasos con la guitarra se citan alrededor de 1910, cuando aprendió a tocar el instrumento con la esperanza de alcanzar mejor fortuna.

En 1914 comenzó a recorrer las calles y garitos de varias ciudades tejanas como Galveston, Silver City o East Dallas, iniciando una forma de vida vagabunda que mantendría hasta su muerte. A veces solo y a veces acompañado, Leadbelly y T-Bone Walker fueron algunos de sus compañeros de viaje más conocidos.

En 1915 se estableció en Dallas con la intención de ganarse la vida más cómodamente. Los primeros años allí fueron muy duros para Jefferson. Era una existencia precaria para un hombre ciego. Su única habilidad, además de cantar, era la lucha libre. Su enorme corpulencia le sirvieron para convertirse en luchador profesional en 1917. No obstante, lo que realmente hizo crecer su reputación, fue el hecho de tocar su guitarra por todas las calles de la ciudad. Su popularidad fue tal que el distribuidor principal de Paramount en Texas, buscó a Jefferson y le convenció para llevárselo a Chicago para grabar en 1926.

Cuando finalmente Paramount empezó a publicar sus discos la cosa no pudo ir mejor. El éxito fue casi inmediato y puede decirse que Blind Lemon Jefferson se convirtió en la primera estrella nacional del blues rural. Los bluesmen de Mississippi le acusaron de romper el ritmo y de tocar música que no era bailable, pero nada de esto disminuyó su popularidad. Sus discos se vendieron bien en el Delta, y actuaba a menudo allí y en Memphis. Ningún otro artista consiguió imitar su sonido, aunque muchos lo intentaron.

Además de blues, Jefferson cantaba espirituales, canciones religiosas, work songs y melodías folk. "See That My Grave Is Kept Clean", "Jack O´Diamonds Blues", "Match Box Blues", "Long Lonesome Blues" o "Black Snake Moan" son algunos de los éxitos más recordados. Su estilo se establece en una voz aguda, punzante y plañidera y una guitarra virtuosa y de gran variedad. Los blues de Jefferson nos hablan de temas como el hambre, los malos tratos, la miseria o la cárcel y casi siempre trataban de contar una historia alrededor de esta temática.

En su etapa de mayor esplendor, su éxito como artista discográfico le permitieron vivir bien y abandonarse a las mujeres y la bebida, pero también siguió viajando entre su estado natal de Texas y el estudio de grabación de Chicago, por Memphis y por la parte inferior del Delta o por donde quiera que hubiera dinero y se quisiera escuchar su música.

Su muerte también aparece rodeada de misterio ya que no se conoce ningún certificado de defunción, ni ningún ingreso en algún hospital durante los días más probables de su desaparición. En diciembre de 1929 se produjo en Chicago una de las tormentas de nieve más duras que se recuerdan, y finalmente los historiadores parecen coincidir en una versión final de la historia: de regreso a casa tras actuar en una fiesta, probablemente se equivocó de camino o se perdió. La tormenta no tuvo piedad y las consecuencias fueron desastrosas. Jefferson murió solo, en la nieve, tras una crisis cardíaca provocada por el frío.

DISCOGRAFÍA SELECCIONADA:

- The Best Of Blind Lemon Jefferson
- King Of The Country Blues
- Complete Recorded Works (Vol.1-4)
- Classic Sides

"Black Snake Moan"

"See That My Grave Is Kept Clean"

Entrevista a Muddy (y 4)

2012-01-03T17:34:00.002+01:00

Como se suele decir, no hay dos sin tres, en esta caso tres sin cuatro. Comentaba en mis anteriores publicaciones, que había seleccionado lo que me parecía más interesante de la entrevista a Muddy Waters, publicada en 1985 en nuestro país por la revista Solo Blues. Bueno, lo cierto es que repasando lo que me dejé en el tintero, me he dado de cuenta que es tan interesante como lo publicado, y no podía omitir compartirla con vosotros. Así pues, y a modo de bienvenida del nuevo año, aquí está la última parte. Ahora podéis leerla al completo, y recordad que las otras entregas están en el sumario, en la correspondiente etiqueta de Muddy o en Entrevistas.

Con uno de los discos grabados para la Biblioteca del Congreso (1942)

¿Recuerdas las grabaciones para la Biblioteca del Congreso?

Ya lo creo. Era lo mejor que me había pasado en la vida. Nunca había escuchado mi voz en discos, tío, y escuchar eso fue algo grande, amigo.

¿Qué recuerdos tienes de cuando Alan Lomax llegó hasta tu pueblo para hacer esas grabaciones?

Seguro, lo recuerdo muy bien, y cuando se presentó allí no me imaginaba yo a qué venía. ya sabes, no sabía ni de dónde venía ese hombre. Porque yo era entonces una especie de contrabandista, me dedicaba a vender whisky ilegal, y no sabía si él era uno de esos policías secretos que iban a por mí o qué coño pasaba, ¿sabes?. Cuando por fin nos conocimos y empezó a grabar esas canciones pensé y me dije: "Este es un buen tipo, es un buen hombre".

¿Cómo consiguió encontrarte?

Bueno, bajó por allí creo que buscando a Robert Johnson. Algo le había pasado a Robert, y el caso es que no pudo dar con él, pero alguien le dijo: "Vaya a donde Stovall, que hay allí un jovencito llamado Muddy Waters, y escúchele a él". Así que cogió el camino y llegó hasta la plantación preguntando: "¿Quién, quién, quién es Muddy?". Les preguntó a los muchachos, y ellos me señalaron con el dedo. Yo pensé: "Mierda. Ya está" (risas). "Se han enterado que ando vendiendo whisky. Eso es". Me acerqué a él y le dije: "Sí señó". Y él me dijo: "Eh, eh, a mí no me digas sí señó. Dime sí o no". Me dijo: "He estado buscándote". "¿Por qué?", le digo. "Quiero que toques algo para mí. ¿Dónde está tu guitarra?". Le digo: "La tengo ahí en la casa". "Vete a por ella y vuelve aquí. Quiero que toques para mí". Así que preparamos las cosas, sacamos el equipo del remolque de su coche y todas esas baterías, y las colocamos en el porche de mi casa. Y allí estaba yo, en el porche de mi casa con mi guitarra y mi pequeño micrófono, y él pasó su cable por la ventana y se puso a trabajar. y cuando toqué una canción y la puso para ver cómo había sonado, supe que estaba preparado de verdad. Yo nunca había escuchado antes esa voz, ¿sabes?, y supe que estaba LISTO. Él regresó sobre un par de años después.

¿Qué te dijo que iba a hacer con los discos?

Bueno, lo que me dijo que haría con los discos fue exactamente lo que hizo. "Es para la Biblioteca del Congreso". La primera vez en mi vida que oía hablar de la Biblioteca del Congreso. "¿Qué demonios es eso? (risas). Me dijo: "Voy a sacar dos discos y te enviaré copias de los dos. También te conseguiré 10 pavos por cada lado, así que te enviaré 20 dólares". Y eso es lo que me envió. No intentó usarlos en ninguna compañía ni nada; hizo exactamente lo que dijo que iba a hacer.

¿Cuánto tiempo pasó exactamente hasta que la Biblioteca del Congreso sacó los discos?

Oh, creo que unos seis meses (risas), y me enviaron dos discos con un cheque de 20 dólares. Ya era toda una estrella de la canción (risas).

Pero esos discos nunca llegaron a ponerse a la venta...

No, no los vendieron. Sólo me enviaron copias a mí.

¿Quién más estaba en esos discos?

En los que me enviaron, nadie más que yo. Los que grabé con Henry Sims, Louis Ford y todos esos tipos, no salieron hasta que Pete Welding los sacó después (en el álbum Down On Stovall´ Plantation del sello Testament).

[NOTA: actualmente todas las grabaciones que hizo Muddy para la Biblioteca del Congreso, entre 1941 y 1942, se pueden encontrar en el cd The Complete Plantation Recordings]

¿Volviste a Mississippi a menudo después de empezar en Chicago?

No. Para nada. Mississippi es un lugar al que difícilmente he vuelto. Estuve allí hace algunos meses. Teníamos unos cuantos días libres, y le dije a mi señora: "Vámonos de viaje". Ella me dijo: "De acuerdo", así que llamé a un amigo mío de Battle Creek, Michigan. Pero él no estaba en casa, no estaba por allí, así que le dije a ella: "¿Qué tal si vamos a Mississippi?". "Yo estoy lista", me dijo. Boom. Llamo a Scott (Cameron) y le digo: "Mañana me voy a Mississippi, vete haciendo las reservas (risas). Me voy a Mississippi". Nos quedamos allí un par de días y lo pasamos muy bien.

Cuando llegaste a Chicago, ¿te hiciste con una guitarra eléctrica porque todo el mundo la usaba?

Mi pequeña acústica no valía de mucho en la tabernilla donde tocaba, ya sabes, y además, siempre había querido una eléctrica.

Con la eléctrica, en los primeros años en Chicago

¿Te gustó el estilo de Tampa Red?

Me gustó el estilo de Tampa Red, hizo algunos buenos discos. Tampa hizo algunos de los mejores discos que he escuchado nunca.

¿Fuiste a verle tocar a menudo?

Ah, sí. Era un tipo tranquilo. Y Maceo estaba con él. Big Maceo era un tipo muy abierto, seguro. Llegué a conocer a Tampa, pero después de la muerte de su esposa, se retiró de todo y perdió la cabeza. Cuando salió del hospital, yo tocaba en el Club 708 del South Side, intenté ayudarle con unos cuantos dólares, pero no me los quiso coger. Me dijo: "No, no necesito limosnas". Eso me dejó confuso. Yo pensé que estaba haciendo algo bueno y ayudándolo, ¿sabes?.

¿Llegaste a conocer a Lonnie Johnson?

Seguro. Le conocí en el sindicato de músicos. Fue cuando Chess tenía a Goldstein (Sammy Goldberg), un tipo negro, como cazatalentos para él. Él quería oírme tocar un tema y yo no tenía allí la guitarra. Le pedí la suya a Lonnie Johnson y me dijo: "No, tío, yo no le presto mi guitarra a nadie". Goldstein le dijo: "Pero hombre, déjale que toque un tema con tu guitarra. ¿Que puede hacerle?. No creo que se la vaya a comer". Y dijo Lonnie: "Voy a dejártela por esta vez, pero yo no le dejo mi guitarra a nadie" (risas). Big Lonnie Johnson. Ya murió, y no quiero hablar mal de él después de tantos años. Sólo tuve ocasión una vez de hablar con él llanamente y tranquilo. Fuimos todos a Europa de gira para Horst Lippman (The American Folk Blues Festival). Lonnie se dejó la guitarra en Nueva York (risas). Y me dijo: "Eh... Muddy, hay una cosa, ¿sabes?... ¿querrías dejarle a Lonnie tu guitarra un momento?". Le dije: "Seguro. Tómala. Bienvenido". Bueno, ése es el hombre sobre el que quiero hablarte. Él pensó realmente que era el gran hombre. Se hacía todos los clubes él sólo. Lonnie pensó que lo tenía todo, el mundo en una jarra y la jarra en sus manos.

Bueno, Lonnie era muy duro por entonces, ¿no?

Lo era, de verdad. Pero no es así como se supone que hay que ser, yo creo que no. Creo que debes ser un poco más amable con todo esto, ¿sabes?. Porque hoy puede ser tu día, pero mañana será el día de otro, ya ves.

¿Te gustaba el estilo que tocaba?

Seguro, me encantaba cómo tocaba. Tenía una voz hermosa, una voz deliciosa. De verdad que me gustaba Lonnie.

¿Intentaste alguna vez tocar en ese estilo?

No. Yo tocaba a la manera de Son House. Pero este muchacho podía tocar de todo. Por eso era un genio. Era capaz de tocar como Robert Johnson. Lonnie Johnson podía tocar como cualquiera!.

¿Intentaste alguna vez tocar más la guitarra sin bottleneck, trabajar sólo los punteos?

Ah, sí. Y solía puntear bastante bien. Pero siempre mi esperanza ha sido ese slide, ya sabes.

¿Puedes nombrarnos a algunos de los músicos famosos que han pasado por tu banda?

Trabajé bastante con Baby Face Leroy (tenía un nombre cojonudo), Little Walter -ya sabes, uno de los grandes-, Jimmy Rogers, Junior Wells, James Cotton, Otis Spann... todos ellos salieron de mi banda. Otis Spann era mi favorito. Nos queríamos como hermanos, aunque no fuéramos hermanos en realidad.

Tienes tras de ti una historia de armonicistas fantásticos.

Sí, muchacho, he tenido a unos cuantos, como Big Walter Horton. De todos ellos, me quito el sombrero ante Little Walter, ya sabes, pero tuve a algunos realmente grandes. Tuve a un estupendo armónica blanco, Paul Oscher, y ahora estoy preparando a otro, Jerry Portnoy, que va a ser muy bueno.

¿A qué se dedicaba Pinetop Perkins antes de entrar en tu banda recientemente?

Tocaba con Earl Hooker, pero cuando yo le llamé no estaba haciendo nada de particular, simplemente había dejado la banda. Estuvo con Earl Hooker mucho, mucho tiempo. Había tocado con bastante gente importante. Toco con Robert Nighthawk, tocó con los King Biscuit Boys, tocó con Little Milton, y solía andar con Ike Turner. Cuando Ike Turner se ponía a la guitarra, él se ponía al piano. Tenían que hacérselo así, porque, mira, la mujer de Ike sabía tocar un poco la batería, y también Pine se defendía con la batería, así que de vez en cuando se cambiaban entre ellos y la cosa marchaba estupendamente.

¿Conociste a Ike en aquellos días?

Ah sí, conocí a Ike, ya lo creo. Mira, Ike es un muchacho de Clarksdale, Junior Parker era un muchacho de Clarksdale, y Jackie Brenston, que hizo con ellos Rocket 88, también era un muchacho de Clarksdale. Y allí los conocí a todos.

¿Tocaron alguna vez contigo?

No. Yo tenía mi grupillo. Tenía a Louis Ford, tenía a Son Simms y tenía también a un gran tipo llamado Pittypat que tocaba el bajo.

¿Solíais tocar en roadhouses? ¿No había también fiestas privadas en la casa de alguien?

Sí, tocábamos en fiestas privadas para blancos.

¿Qué clase de música hacías para el público blanco?

Lo mismo que toco ahora. Eso es todo lo que sé hacer.

¿Tocabas a menudo para los blancos por aquella época?

Bueno, de vez en cuando teníamos algún baile blanco, a lo mejor tres o cuatro veces al año. A mi jefe realmente le gustaba lo nuestro. Él daba una fiesta, me llamaba e íbamos a tocar para él.

¿Quién era tu jefe?

Howard Stovall. Plantación Stovall.

Howlin´ Wolf comentaba con frecuencia que él sólo cantaba blues por dinero. ¿Por qué cantas tú?

Canto los blues por sacar algún dinero y los canto porque me gustan. Porque no siempre he estado ganando dinero, y aún así he seguido cantando.

En directo, con James Cotton, en New York (1965)

Leyendas del American Folk Blues Festival

2011-12-28T11:45:00.000+01:00

Siempre he dicho que los que somos grandes apasionados del blues tenemos un punto a favor y otro en contra. Lo positivo es que tenemos un enorme catálogo de música disponible que abarca mas de 80 años de historia. El problema es que gran parte de este material o es de muy mala calidad o es muy difícil de encontrar. A esto hay que añadir que debemos andar con mucho cuidado con lo que compramos, porque a veces el listado de temas puede resultar repetitivo. Lo que está claro es que, una vez superadas estas barreras, tenemos ante nosotros un impresionante legado musical que nos permite enriquecernos día tras día y año tras año. Si permanecemos atentos al mercado y sabemos seleccionar nuestras compras, nos podemos encontrar con publicaciones realmente fundamentales para nuestra colección.

Esta vez me gustaría comentaros uno de estos casos. Se trata de un fantástico dvd publicado en agosto del 2009, que recoge actuaciones grabadas en Alemania, del famoso American Folk Blues Festival durante 3 años consecutivos: 1967, 1968 y 1969. Las filmaciones fueron realizadas en su día por los canales de televisión alemanes WDR y SWR.

A excepción del último festival de 1969, que se filmó durante la gira que se hizo por el país germano, todo lo demás son actuaciones en directo registradas en los estudios de las citadas televisiones y sin apenas público asistente. Muy al contrario de lo que pueda parecer, las interpretaciones suelen ser de un nivel fuera de toda duda.

Si os fijáis en el listado de artistas participantes, os daréis cuenta inmediatamente de lo que os estoy comentando. Indudablemente uno de los grandes atractivos radica en la aparición de Little Walter (del que existen muy pocas grabaciones en vídeo), pero la cosa no se queda solamente ahí: John Lee Hooker, Son House, T-Bone Walker, Bukka White, Skip James, Magic Sam, Big Joe Williams o Carey Bell son algunos de los artistas que poco a poco van apareciendo en pantalla, y que engloban a este dvd de un enorme valor documental.

Como bonus se incluyen algunas entrevistas, pero debo aclarar que aquí está el único inconveniente de esta publicación, al menos para mi: no hay subtítulos en español.

Cabe reseñar que todo el material que aparece en este dvd no ha sido publicado en ningún otro dvd o vídeo oficial anteriormente, por lo que se complementa perfectamente con los publicados hace unos años por Universal Music (ya comentados aquí en este mismo blog).

El disco se presenta en formato digipack, e incorpora además un bonito libreto de 56 páginas, con abundante información y fotografías del evento en cuestión.

Comentaros finalmente que el sonido es realmente bueno y que si conocéis los dvds publicados anteriormente, os aseguro que éste no os defraudará.

Feliz año nuevo!

American Folk Blues Festival 1967

Little Walter: My Babe / Untitled / Mean Old World

Koko Taylor: Will My Man Be Home Tonight / Wang Dang Doodle / What Kind Of Man Is This

Bukka White: Aberdeen Mississippi Blues

Skip James: Hard Times Killing Floor

Son House: Death Letter Blues

Sonny Terry & Brownie McGhee: Born With The Blues / Rock Island Line

Hound Dog Taylor: Shake Your Money Maker,

Dillard Crume & Odie Payne Jr.

Bonus: entrevistas con Bruce Jackson, Sonny Terry y Brownie McGhee. 

Duración: 54:00 Min

American Folk Blues Festival 1968

John Lee Hooker: Serves Me Right To Suffer

T-Bone Walker with Eddie Taylor Band & John Lee Hooker: Maudy / Boom Boom / Stormy Monday Blues / I Wonder Why / Shake It Baby

Big Joe Williams: Cryin' Shame / Baby Please Don't Go

Big Walter Horton: Juke

Jimmy Reed: Big Boss Man

Curtis Jones: Cherie

Bonus: Entrevistas con Al Smith y Fritz Rau

Duración: 52:00 Min

American Folk Blues Festival 1969

Documental del Tour por Hanno Brühl

John Jackson: You're The Best Friend / You Ain't No Woman / John Henry

Earl Hooker: Off The Hook / Walking The Floor / Rocket 88

Magic Sam: All My Love

Juke Boy Bonner: Going Back To The Country

Clifton & Cleveland Chenier: You Got Me Walking On The Floor / Zydeco Et Pas Sale

Alex Moore: Whistling Blues

Carey Bell: Love Ain't A Play Thing

Bonus: Varias entrevistas.

Duración: 56:10 Min.

"Smokestack Lightning"

2011-12-22T10:49:00.000+01:00

A lo largo de estos últimos años, muchas y variadas han sido las reediciones y remasterizaciones de diferentes discos clásicos de blues. No siempre el resultado es el más acertado, y afortunadamente todavía queda abundante material en la recámara para futuras publicaciones. Este año 2011 nos ha dejado, en mi opinión, dos grandes acontecimientos; el primero de ellos se produjo allá por el mes de mayo, cuando se reeditaron todas las grabaciones del legendario Robert Johnson en un fantástico doble cd que marca un antes y un después en la obra de este histórico bluesman. El segundo lo constituye una más reciente publicación de Howlin´ Wolf: "Smokestack Lightning - The Complete Chess Masters: 1951-1960". Un cuádruple cd, en edición limitada, que muchos fans estábamos reclamando desde hace largo tiempo. La espera ha merecido la pena.

Quizá el bluesman más poderoso y feroz de la historia del blues, Chester Arthur Burnett, dejó un amplio catálogo de grabaciones para Chess Records durante más de dos décadas. Sus primeras grabaciones fueron en el estudio de Sam Phillips (el legendario fundador de Sun Records y descubridor de Elvis Presley) en Memphis, a comienzos de la década de los 50. Posteriormente Chess Records se haría con los másters de la mayor parte de estas grabaciones, hasta que en 1954 el lobo llegó a Chicago y comenzó a grabar directamente para Leonard y Phil Chess. Acompañado muy pronto por las composiciones de Willie Dixon, el resultado fue una larga letanía de obras maestras que no cesaría durante años.

Los 96 temas incluidos en esta preciosa publicación constituyen las raíces de toda una leyenda. Por supuesto todo el material ha sido cuidadosamente remasterizado, respetando el sonido original y sin la pérdida de esa magia que Howlin Wolf desplegaba en cualquiera de sus trabajos. Se incluyen numerosas tomas alternativas y rarezas, todo ello en una edición de lujo con tapas de cartón, acompañado de un libreto de 40 páginas con abundante información, discografía detallada y fotografías, algunas de ellas muy raras.

Se trata de una edición limitada de 5.000 copias en todo el mundo que hace más valiosa si cabe su adquisición. No tenemos más que intentar buscar publicaciones similares de este tipo, como las de Muddy Waters, para darnos cuenta del enorme valor que este material alcanza con el paso del tiempo. No hay fecha todavía para la continuación de la serie, pero seguro que llegará.

Ojalá que el próximo año nos traiga tan buenas y sabrosas obras musicales como ésta... estaremos atentos.

Felices Fiestas para todos.

Disco 1:

1. Moanin’ At Midnight

2. How Many More Years (alternate)*

3. How Many More Years

4. The Wolf Is At Your Door (Howlin’ For My Baby)

5. California Boogie*

6. Smile At Me*

7. Howlin’ Wolf Boogie

8. California Blues #1

9. Look-A-Here

10. Worried All The Time

11. Gettin’ Old And Grey

12. Mr. Highway Man

13. Everybody’s In The Mood

14. Color And Kind

15. Bluebird (Blues)

16. Saddle My Pony

17. Dorothy Mae (alternate take)*

18. Dorothy Mae

19. Sweet Woman (a/k/a I Got A Woman)

20. Well That’s All Right

21. Decoration Day (Blues)

22. Oh Red

23. My Last Affair

24. I’ve Got A Woman

25. Just My Kind

26. Work For Your Money

Disco 2:

1. I’m Not Joking

2. Mama Died And Left Me

3. All Night Boogie (All Night Long)

4. I Love My Baby

5. Highway My Friend

6. Hold Your Money

7. Streamline Woman

8. California Blues #2

9. Stay Here Til My Baby Comes Back

10. Crazy About You Baby

11. No Place To Go (You Gonna Wreck My Life)

12. You Gonna Wreck My Life (No Place To Go) (alternate take)

13. Neighbors

14. I’m The Wolf

15. Rockin’ Daddy

16. Baby How Long

17. Evil (Is Goin’ On)

18. I’ll Be Around

19. Forty Four

20. Who Will Be Next

21. I Have A Little Girl

22. Come To Me Baby

23. Don’t Mess With My Baby

24. Smokestack Lightnin’

25. You Can’t Be Beat

26. I Asked For Water (She Gave Me Gasoline)

27. So Glad

Disco 3:

1. Break Of Day

2. The Natchez Burning

3. Going Back Home*

4. Bluebird

5. My Life

6. You Ought To Know

7. Tell Me

8. Somebody In My Home (alternate take)*

9. Somebody In My Home

10. Nature (takes 1/4/6)*

11. Nature (alternate take)

12. Nature

13. Walk To Camp Hall

14. Poor Boy (alternate take)

15. Poor

16. My Baby Told Me

17. Sittin’ On Top Of The World

18. I Didn’t Know*

19. I Better Go Now (Howlin’ Blues) (alternate)*

20. Howlin’ Blues (I’m Going Away)

21. I Better Go Now (multiple takes)*

22. I Didn’t Know

23. Moaning For My Baby (Midnight Blues)

24. Moaning For My Baby (Midnight Blues) (takes 3 & 4)*

Disco 4:

1. I’m Leaving You (alternate take)*

2. I’m Leaving You (takes 7-10)*

3. I’m Leaving You

4. Can’t Put Me Out (alternate)*

5. Can’t Put Me Out (alternate)

6. (You) Can’t Put Me Out

7. Change My Way

8. Getting Late

9. I’ve Been Abused (takes 4-12)*

10. I’ve Been Abused

11. Howlin’ For My Baby (takes 1-7)*

12. Howlin’ For My Darling (Or Baby)

13. Wolf In The Mood (instrumental)

14. My People’s Gone

15. Mr. Airplane Man (takes 1-2)

16. Mr. Airplane Man

17. Wang-Dang-Doodle

18. Back Door Man

19. Spoonful

*inédito en USA

Big Bill en Barcelona

2011-12-16T15:03:00.001+01:00

Big Bill Broonzy fue el gran divulgador del blues en Europa, Latinoamérica, África y Australia durante los primeros años 50. En 1953, dentro de su gira europea, realizó un único concierto en nuestro país. Fue el 11 de mayo, en el teatro Capsa de Barcelona.

Próximo a los sesenta años y con más de 25 años de carrera a sus espaldas, Big Bill llegó a Barcelona como un artista consagrado. Su nombre era reconocido como uno de los mejores y más importantes cantantes y guitarristas de blues vivos de la historia. Su enorme actividad en los años cuarenta, como músico y cazatalentos, le habían convertido en una figura clave del blues de Chicago. Había transformado el blues rural sureño, en una forma musical popular y comercial.

Llegó a Barcelona por tren, desde el sur de Francia, y su único equipaje consistía en una pequeña maleta y su guitarra. A la hora del concierto, el teatro Capsa estaba razonablemente lleno. Antes de salir al escenario, abrió su maletín, sacó una pequeña botella de coñac y le dio un par de tragos. Acto seguido se echó la guitarra al hombro y comenzó su actuación.

Aquella noche utilizó un repertorio muy extenso, desde blues tradicionales, canciones folk y negro spirituals, hasta composiciones propias. Poco a poco fue desgranando temas como “John Henry”, “Bill Bailen Won´t You Come Home”, “Black, Brown and White”, “Just A Dream”, “Guitar Rag” o “Down By The Riverside”, que calaron muy hondo en el público asistente, que le aplaudió sin cesar durante su larga actuación.

Después del concierto, Paul Gotch, por aquel entonces profesor del Instituto Británico y un gran aficionado al jazz, le invitó a tomar una copa en su casa. Según cuentan varios asistentes, Big Bill se convirtió en dueño y señor de la velada, cuando cogió su guitarra y les regaló otro concierto privado que duró más de una hora.

Al día siguiente, por la mañana, Big Bill volvió a la estación y regresó a Francia para continuar su periplo europeo.

En la actualidad, los más próximo que podemos estar de aquella mágica noche, consiste en un doble cd, publicado por Munich Records en el 2006 bajo el título "Amsterdam Live Concerts 1953", que recoge dos actuaciones unos meses antes en Amsterdam (el 26 y 28 de febrero). Bajo una cuidada presentación, que incluye un magnífico libreto de 48 páginas, y con una calidad de sonido asombrosamente perfecta, podemos cerrar los ojos y retroceder en el tiempo, relajándonos con la voz y guitarra de uno de los grandes, Big Bill Broonzy.

"Willie Mae" (Amsterdam 1953):

LEROY CARR

2011-12-12T18:15:00.000+01:00

1905 - 1935

Voz, piano.

En la actualidad, cuando se cita a los grandes músicos de blues de los años veinte y treinta, no suele incluirse el nombre de Leroy Carr, pero durante el corto período de su carrera, estaba tan bien reconocido o mejor que cualquiera de sus contemporáneos. Su estilo, discreto y elegante, le convirtió en uno de los mejores cantantes de blues de todos los tiempos. Su asociación con “Scrapper” Blackwell (piano y guitarra) dio vida a un nuevo blues urbano que prácticamente no existía con anterioridad.

Leroy Carr nació en Nashville (Tennesse) un 27 de marzo de 1905. Se trasladó con su familia a Indianápolis en 1912. Allí pasaría la mayor parte de su infancia, viviendo en un circo itinerante que recorría frecuentemente la zona entre Indianápolis y Kentucky. Aprendió a tocar el piano de una forma totalmente autodidacta.

Desde muy joven se ganó la fama de ser el mejor pianista del lugar. Estuvo un tiempo en el Ejército, y hacia 1922 acompañó a la cantante Jack Wiley en el Gold Star Dance Hall, una asociación que tuvo una duración de unos tres años. En 1925 sus continuos problemas con la ley le enviaron una temporada a prisión, acusado de contrabando de alcohol.

En 1928 Carr estaba establecido definitivamente en Indianápolis y solía tocar a menudo en los barrelhouse y demás garitos para negros. Allí conocería a una persona clave en su carrera: Francis “Scrapper” Blackwell. Dos años mayor que Leroy, era un contrabandista de alcohol y un guitarrista ocasional.

Los historiadores no parecen ponerse de acuerdo en este punto del relato, ya que para unos Carr fue el que le propuso a Blackwell que grabasen juntos, y para otros fue un joven productor llamado Guernsey, quien empezaría a grabarlos por separado y que posteriormente decidió probar suerte uniendo a estos dos talentos en el estudio de grabación. Fuese de uno u otro modo, lo cierto es que el experimento resultó ser uno de las más acertados de la historia del blues.

Su primera publicación para el sello Vocalion, “How Long How Long Blues”, se convirtió en un éxito rotundo y se dice que llegó a vender más de un millón de copias, y que tuvieron que volver a grabarlo cuando Vocalion dejó el máster totalmente inutilizable. En cierta ocasión Muddy Waters comentó que este tema fue el primero que aprendió a tocar en su vida.

A partir de entonces y hasta 1934 inclusive, el dúo grabó cerca de 150 temas. La Gran Depresión les tuvo apartados de los estudios un par de años, hasta que en 1934 volvieron a retomar las grabaciones. En esta ocasión Blackwell no colaboró en la totalidad de los temas registrados por Leroy, ya que hacia finales de año Josh White le sustituiría temporalmente.

En general su repertorio se componía de grandes piezas de blues melancólico y algún que otro tema más rápido, estilo stomp o rag con mucho swing. Juntos grabaron clásicos como “Blues Before Sunrise”, “Mean Mistreater Mama”, “Prison Bound Blues”, “In The Evening When The Sun Goes Down”, “Sloppy Drunk Blues” o, por supuesto, el ya comentado “How Long How Long Blues”, del que llegaron a registrar hasta cinco versiones diferentes.

En 1935 una fuerte discusión entre ambos provocó su separación profesional, y Carr empezó a grabar algún tema en solitario esta vez para el sello Bluebird, abandonando Vocalion por primera vez en su carrera.

Lamentablemente el nuevo camino tomado por Leroy fue mucho más corto. Su incontrolable afición por el alcohol acabó pasándole factura. Su muerte estuvo rodeada de confusión y rumores de todo tipo, pero lo cierto es que sucumbió a causa de una nefritis aguda el 29 de abril de 1935. Acababa de cumplir los 30 años.

Cabe reseñar que, aunque las grabaciones que Blackwell efectuó en solitario en aquella época tuvieron un éxito comercial menor, no eran menos impresionantes que muchos de sus dúos con Carr (recomiendo especialmente el cd “The Virtuoso Guitar of Scrapper Blackwell”, publicado por Yazoo Records). La muerte de Leroy le sumió en una fuerte depresión que le hizo abandonar la música casi por completo. Cuando en 1958 fue redescubierto, todavía vivía en Indianápolis y seguía siendo un diestro y apasionado guitarrista. Su segunda carrera musical sólo estaba empezando a cobrar impulso cuando murió asesinado a causa de un disparo en 1962.

La sombra de Leroy Carr es alargada. Montones de grabaciones posteriores a su desaparición reflejan su influencia. Sin ir más lejos Robert Johnson utilizó “Midnight Hour Blues” para su “From Four Till Late”, o “Blues Before Sunrise” para “Kind Hearted Woman”. Fats Domino, Ray Charles, Charles Brown, T-Bone Walker, Otis Spann, Big Bill Broonzy o Tampa Red son solo algunos ejemplos de artistas que bebieron de las aguas de un artista inolvidable.

DISCOGRAFÍA SELECCIONADA:

- How Long Has That Evening Train Been Gone? 1928 - 1934
- Whiskey Is My Habit, Good Women Is All I Crave. The Best Of Leroy Carr
- How Long How Long Blues
- Prison Bound Blues
- American Blues Legend

"How Long How Long Blues" (19 de junio de 1928):

"Mean Mistreater Mama" (20 de febrero de 1934):

Entrevista a Muddy (3/3)

2011-12-06T14:07:00.000+01:00

Tercera y última parte de la entrevista a Muddy Waters publicada en 1985. Espero y deseo que os haya gustado. A mi particularmente me parece un documento de enorme valor... por eso he decidido compartirlo con vosotros. Recordad que podeis acceder a las otras entregas a través del sumario, en la etiqueta "Muddy Waters".

De una sesión fotográfica a finales de los 50

Cuando reunías la banda buscando diferentes músicos, ¿dónde buscabas armonicistas después de irse Little Walter?

Bueno, después que Little Walter se fue por su cuenta, no había que buscar mucho, porque todo el mundo estaba intentando tocar la armónica como lo hacía él. No tenías ni que buscar. Podías encontrar un buen armonicista sin problemas. Little Walter se fue con la banda que acompañaba a Junior Wells, The Four Aces, y se estaba poniendo de acuerdo con ellos. Junior y yo siempre supimos lo que estaba pasando, así que le dije a Junior: "En cuanto ellos hagan cualquier movimiento, tú te vienes a mi banda". Y eso fue lo que pasó. Luego ellos querían conservar también a Junior y salir a la carretera con él, pero les dijo: "¿Y qué coño pensáis hacer con dos armónicas? (risas).

¿No bajaste a veces al sur a buscar músicos?

Sí, allí encontré a Big Walter. Cuando Junior se fue al Ejército, me traje a Walter Horton. Entonces tocaba conmigo Eddie Taylor. Eddie me dio la dirección de Big Walter y fuimos a buscarle. Vino y se quedó conmigo un año, y cuando me dejó, me envió a Henry Strong, "Pot". Yo ya le conocía. Walter había estado enseñando a tocar la armónica a este muchacho, "Pot". Le mataron mientras aún estaba en mi banda. La verdad es que Walter había encontrado una actuación en Madison Street, y yo tocaba en el Zanzibar, en el cruce de la 13th y Ashland y aquí llegó Pot. Walter dijo que estaba enfermo y me lo envió en su lugar. Pero yo mandé a algunos de mis muchachos al club donde tocaba Walter esa noche. Se sentaron frente a él mientras tocaba (risas). Ah, muchacho, lo que esta música no haga...!. Es un negocio extraño esto de la música, tío.

¿Cómo conseguiste a James Cotton?
Bueno, le tenía Wolf allá en el Sur. Cuando contraté a Cotton, yo tenía aún a Junior de vuelta en la banda, pero se había escapado del Ejército. Y cada vez que salíamos por ahí nos encontrábamos a dos de esos policías buscando a Junior, y él tenía que salir por piernas. Así que un día que tuvimos una actuación en Memphis, un tipo para el que solía trabajar yo, llamado James Triblett, me dijo que conocía a un muchacho en West Memphis que tocaba la armónica y lo hacía muy bien. Fuimos allí y encontramos a Cotton. Después de oírle tocar, me lo llevé a Chicago conmigo.

¿Conocías a Howlin´ Wolf antes de que él viniera a Chicago?

No, no, conocía a Wolf ya en Chicago. No le conocí hasta los años 50.

¿Recuerdas a Wolf cuando llegó a Chicago?

Seguro. Se quedó en mi casa. Sí, lo recuerdo muy bien. Cuando llegó a Chicago condujo su coche hasta aquí y se quedó conmigo hasta que le conseguimos trabajo. Le llevaba conmigo cada noche, porque yo tocaba siete veces a la semana y también matinées, y le llevaba conmigo siempre para que la gente le fuera conociendo. El Zanzibar tenía dos tabernas, dos clubs. A él le pusieron en el pequeño, en la calle Paulina arriba, y yo estaba en el cruce de Ashland y la 13th.

Cuando Wolf llegó a la ciudad, ¿te pidió quedarse contigo?

No, quería ir a un motel, pero yo le dije: "No, hombre, te haré sitio aquí hasta que puedas moverte; te conseguiré trabajo y luego ya buscarás un sitio donde meterte". Así que no, él no me lo pidió, quería volver a Memphis o buscarse un hotel. Pero aunque lo consiguiera a 10 dólares diarios, los cinco días son cincuenta pavos...

¿Se trajo una banda con él?

No, hizo la banda aquí. Consiguió a un muchacho, Hubert (Sumlin), y luego a Little Joe (Jody Williams) y Earl Phillips a la batería. Estuvo con ellos bastante tiempo antes de coger saxofones y lo demás. Después le pasó algo a Hubert y volvió a Memphis, y Wolf llamó a ese muchacho, Willie.

Willie Johnson.

Willie Jonhnso. Yo trabajé un tiempo con Hubert, pero luego él volvió con Wolf. Y así tuvo a dos mala-peste, Hubert y Willie. Dos diablos, muchacho.

¿Llegó Willie a trabajar contigo?

No, no estuvo conmigo. Hubert trabajó un poco conmigo, pero Willie nunca trabajó para mí, nada más que tocar algún tema con nosotros alguna noche, pero yo no podía seguir con él.

¿Te gustaba como tocaba?

Me encantaba como tocaba. Tocó dos o tres semanas conmigo, recuerdo que lo hizo. Es un gran guitarrista, pero su cabeza no iba bien, a veces era muy malo. Le gustaba pelearse y todo eso. Y a mí no me gustan las peleas en la banda.

Howlin´ Wolf, Hubert Sumlin, Abb Locke y Willie Johnson (mediados de los 50)

¿Erais amigos tú y Wolf?

Nadie entiende lo que había entre Wolf y yo. Lo único que pasaba entre los dos es que Wolf era celoso. Sí, amigo, era buena gente, pero Wolf no era realmente amigo tuyo si tú eras tan bueno o mejor que él. No podía entenderlo. Y eso es lo que pasaba. Sé que la gente pensaba que nos odiábamos el uno al otro pero no era así. Wolf quería ser el mejor, y yo no quería dejarle venir a quitarme el puesto. Él solía decirle a la gente, "Esa banda de Muddy Waters no es tan buena como la mía" (risas). Eso era todo. Nunca llegamos a amenazarnos con pistolas ni nada de eso. Wolf era celoso; estaba celoso de cualquiera que cantara o tocara con él. Después de todo lo que hice por él cuando llegó a Chicago, él aún seguía pensando y diciendo que era mejor que yo y mejor que cualquiera. Esa es una buena idea para trabajar en esto, pero no para írselo diciendo a todo el mundo (risas).

En los primeros años 60, ¿fueron las cosas tan bien para ti como, digamos, en los 50, o se enfriaron un poco?

Se enfrió un poco la cosa al final de los 50, y luego empezamos a recuperarnos, hacia 1963 tal vez, y desde entonces hacia arriba, arriba, arriba, arriba otra vez.

Recientemente has estado tocando sobre todo para los jóvenes blancos, ¿crees que hay alguna diferencia según el tipo de público?

Bueno, yo aprecio el sentimiento de las personas. Yo siento como negro, pero eso no quita para que aprecie lo que los blanco hacen. Ellos se guardan dentro sus sentimientos, no se desmadran tanto. Si lo haces sólo regular, te darán ya un buen aplauso, pero si lo haces muy bien, entonces te darán toda una ovación.

¿Cómo es tu público hoy? ¿Son todos jóvenes blancos, o tocas también alguna vez para público negro?

Hay algunos negros, pero ese es el problema: no creo que haya bastantes. Hay unos cuantos, sí, pero ¿sabes? para apoyar a la gente de mi raza... la verdad es que ellos no me tratan como se supone que debe ser. Son los blancos los que se preocupan por mí.

¿Tienes alguna preferencia sobre el lugar donde tocar? ¿Prefieres un concierto donde todo el mundo está sentado escuchando, o mejor un club, donde la gente se mueva, baile y beba?

No me gusta que estén bailando, prefiero que se sienten y beban. Porque si estás bailando no pueden poner mucha atención a cómo lo estás haciendo, ya sabes. Su cabeza está en el baile, no en escuchar la música.

OK, vamos con la última pregunta: ¿Tienes un disco favorito de Muddy Waters? ¿Cuál es tu preferido de todos los que has grabado?

"Long Distance Call". Esa es la razón porque la canto cada vez que me la piden. Me gusta cantarla. Bueno, hay muchas otras de las mías que me gustan también, pero "Long Distance Call" es una de las más auténticas que tengo, sí.

Bueno, creo que, gracias a Dios, he saldado todas mis deudas, y estoy agradecido por haber llegado a vivir lo bastante para comprenderlo ¿sabes?, y he tenido una pequeña recompensa por algunas cosas que hice. Y también sé que le hice algún bien al campo de la música. Estoy satisfecho con eso.

"Long Distance Call" (Copenhagen Jazz Festival 1968):

Entrevista a Muddy (2/3)

2011-12-01T09:34:00.000+01:00

Segunda entrega de la entrevista a Muddy Waters publicada en 1985. Para ver la primera parte, solamente tenéis que acceder a la etiqueta "Muddy Waters" dentro del Sumario del blog.

Fotografía promocional de los primeros años en Chess Records

¿De quién eran las canciones que tocabas cuando llegaste a Chicago?

Cantaba canciones de Leroy Carr, de Robert Johnson, cosas que hacía en casa. Y canciones de cualquiera. Solía cantar muy bien Piney Brown. ¿Conoces Piney Brown?, "I been to Kansas City, everything is really all right". Solía exprimir de verdad esa canción, meterle jugo y luego exprimirla. Y casi cualquier cosa que escuchaba podía cantarla, ¿sabes?

Grabaste algunos cortes para Columbia en los años 40, pero no fueron editados entonces.

Los hice antes de empezar a grabar con Chess y, bueno, se quedaron en el almacén.

Sí, y finalmente salieron en un álbum de Testament. ¿Lo has escuchado?

Ah sí. Debo tener ese LP por aquí en alguna parte.

¿Qué te parecen comparados con el material que grabaste luego para Chess?

Hombre, sé que son buenos. Yo sé que lo hacía bien ya desde el principio. Está bien. Pero, ya sabes, cuanto más trabajas, cuanto más lejos llegas, más experiencia coges, y eso siempre es una ventaja.

Los temas que grabaste para Aristocrat eran muy diferentes. ¿Fue idea tuya grabar tú solo con el bajo?

Yo les dije: "Dejadme hacer un número yo solo". Me escucharon y el encargado dijo: "Eh! que se ponga Crawford en el bajo, solo marcando el tiempo. Tenemos aquí algo bueno". Y eso llenaba bien los huecos, yo entendí lo que querían decir.

¿Habías trabajado antes alguna vez con Big Crawford?

No. Él se divirtió con ello. Se reía de mí, se divirtió haciéndolo. Decía: "Este es mi estilo" (risas). Crawford tocaba entonces con Memphis Slim...

¿Cómo fue que recomendaste a Chuck Berry a los hermanos Chess?

Bueno, yo le envié a verlos. Chuck llegó donde tocaba mi banda, se sentó con la guitarra y tenía un estilo diferente. Le dije: "Bueno, hombre, esto tiene que funcionar. Vete a ver a este hombre de mi parte". Y esto no lo ha olvidado Chuck.

¿Dónde te conoció Chuck Berry?

Probablemente en San Luís, pero cuando hablé con él ya estaba aquí en Chicago. Y le envié recomendado a la mañana siguiente. Cuando yo llegué al estudio, Leonard (Chess) no entendía lo que era Maybelline. Le dije: "Será mejor que grabes eso, casi se te escapa, tío. Será mejor que grabes eso, ahí hay algo nuevo". Y lo grabó, y ese fue el disco más grande que ha salido de la compañía Chess.

Muddy Waters y Chuck Berry (1978)

Durante tus primeros años con Chess, ¿tocabas en los clubs con la misma formación de los discos, o llevabas una banda completa?

Ah no, tenía los mismos músicos que en los discos. Tocábamos en los clubs dos o tres de nosotros.

¿Y salía perfecto?

Sí, lo único que añadíamos era una batería. Porque Jimmy Rogers podía tocar la guitarra, Baby Face Leroy podía tocar batería y guitarra, y le poníamos en la batería. Jimmy y yo tocábamos guitarra y Little Walter la armónica.

¿Quién era entonces tu armonicista? ¿Little Walter?

No, al principio era Jimmy Rogers.

Snooky Pryor dice que Jimmy podía haber sido un gran armonicista si se hubiera dedicado a fondo a ello. Él piensa que Jimmy Rogers podía superar a todos los armonicistas de aquella época.

Ah!, Jimmy era algo grande, era muy bueno. Pero nunca fue un Little Walter, no. Pero era muy bueno.

¿Qué clase de público tenías entonces? ¿Eran todos negros?

Todos negros. Todos negros. Pero, bueno, más tarde, en los 50, empezaron a llegar también jóvenes blancos de la Universidad de Chicago. Venían a los barrios negros para oírnos tocar y estar con nosotros.

Creo que al principio Juke era el tema presentación de Muddy Waters.

Lo era.

¿Y cómo salió en disco a nombre de Little Walter?

Bueno, el problema fue que Leonard quería grabar ese tema y lo puso a nombre de Little Walter.

¿Con qué discos llegaste a lo más alto de las listas?

Primero grabé Feel Like Going Home y I Can´t Be Satisfied, y estos me lanzaron. Luego hice otros también potentes como Screamin´ and Cryin´, Rollin Stone, Still A Fool y Mad Love. También Just Make Love To Me, I´m Ready y Natural Born Lover salieron muy bien.

Así que tú, Jimmy Rogers y Little Walter grabasteis también por separado para Chess, aunque originalmente lo hicierais como la Muddy Waters Band. ¿Se fueron yendo de la banda en cuanto grabaron sus propios discos?

Natural. Ellos también querían tener un buen disco y triunfar por su cuenta. Se me fueron unos cuantos muchachos de la banda. Yo ya sabía que cuando los haces famosos, antes o después te van a dejar, eso siempre lo he sabido. Pero no puedo tener a todo el mundo siempre conmigo, todos deben tener su oportunidad.

Continuará...

Entrevista a Muddy (1/3)

2011-11-24T17:02:00.000+01:00

Pocas fueron las entrevistas que el bueno de Muddy concedió a lo largo de su carrera. A pesar de su buen carácter y amabilidad, no solía prodigarse demasiado con la prensa. Lo suyo era el escenario y el blues. No obstante, en marzo de 1985, la revista "Living Blues" publicó una extensa entrevista con el rey del blues de Chicago. Jim y Amy O´neal fueron los maestros de ceremonias. En realidad se trataba de una recopilación de varias entrevistas entre los años 1974, 1980 y 1981. El resultado es apasionante y fue publicado en España por la revista "Solo Blues", aquel mismo año, en un extenso especial dedicado integramente a la figura del legendario guitarrista. A modo de homenaje, me gustaría transcribir lo que, en mi opinión, resulta fundamental en este histórico documento. La he dividido en tres partes. Aquí está la primera entrega.

¿Naciste en un pueblo o en una plantación?

Nací en una plantación de por allí. Nací en un pueblecito llamado Rolling Fork, nada más que unas cuantas casas alrededor de la plantación, ya sabes.

¿Qué clase de plantación era?

Había algodón y maíz, algodón y maíz. Todo el Delta es algodón, maíz y judías. No empezaron a plantar arroz hasta después de que yo me marché de allí.

¿De quién era esa plantación?

¿La plantación donde nací? Se llamaba Kroger. No me preguntes cómo se escribe.

¿Tocabas la guitarra profesionalmente durante esos años en Mississippi?

¿Si tocaba allí profesionalmente? Bueno, yo lo llamo profesional, porque cada noche de sábado tocaba en alguna parte. Porque, mira, teníamos que trabajar en el campo durante la semana, y era muy raro tener ocasión de tocar como aquí en el Norte -lunes, martes, miércoles, jueves, viernes-; No era así, la noche del sábado era tu gran noche, y a veces también los domingos por la noche.

¿Tocabas solo o con otras personas?

Toqué mucho tiempo solo, y cuando tocaba la armónica, al principio, llevaba conmigo a un guitarrista. Se llamaba Scott Bohanner. Aprendimos juntos.

¿Sabes que ha sido de él?

Sí, vive en Chicago. Pero ya no toca, dejó de tocar y se metió en la iglesia. Ahora es predicador.

¿Estabas decidido a ser músico?

Me fui de casa para ser músico, y cuando digo que me fui de casa, quiero decir cuando era aún un crío. Definitivamente quería ser músico o un buen predicador o un jugador de béisbol cojonudo.Tenía tres cosas donde elegir. No podía jugar muy bien al béisbol, porque me rompí el dedo meñique y lo dejé. Tampoco podía predicar, así que, bueno, todo lo que me quedaba era la cosa de la música.

¿Cuando conseguiste tu primera guitarra?

En 1932.

¿A qué otra gente recuerdas haber escuchado en Mississippi cuando eras joven?

Realmente me influyó mucho Son House...

¿A él sí le conociste?

Le conocí. Y creo que también Robert (Johnson) aprendió unas cuantas cosas de él. Porque Son House era entonces el rey de por allí..

¿Quién era el mejor guitarrista que conociste antes de venir a Chicago?

Son House. Para mí... eso era antes de que llegara Robert. Pensé que Son House era el mejor guitarrista del mundo, porque le escuché usando ese estilo bottleneck y ese sonido me gustaba de verdad, tío. Son House...

Muddy, odio tener que molestarte con esta pregunta. Todo el mundo te lo ha preguntado ya, pero yo también debo hacerlo, porque parece que la gente quiere saber todo sobre Robert Johnson.

Si, me lo han preguntado cantidad de veces, y siempre respondo lo mismo: no conocí a Robert personalmente, sólo pude verle una vez. Pero, ya sabes, su música me encantaba.

¿Le escuchaste tocar en directo?

Bueno, él estaba tocando cuando le vi, pero había tanta gente a su alrededor que no pude verle muy bien.

Pero le escuchaste...

Le escuché un poco sí, pero el caso es que trabajábamos en la misma zona mis amigos y yo. Cuando Robert andaba por Friar´s Point, nosotros no estábamos a más de 20 millas, pero no llegué a conocerle. Tiene gracia, ¿sabes?, conocía a casi todos los demás músicos, pero no le conocí a él.

Robert viajaba mucho.

Sí, se movía mucho.

¿Escuchaste sus discos?

Ah sí, escuché la primera cosa que sacó, Terraplane, y creo que Walking Blues estaba en el otro lado de ese Terraplane. Siempre estuve pendiente de sus discos según salían.

¿Dónde conseguiste los discos de Robert Johnson? ¿Los compraste en alguna tienda?

Podías comprarlos en una tienda o en cualquier otro sitio donde vendieran discos. En realidad, en el pueblo dondo yo vivía no había nada parecido a una tienda de discos, ¿sabes?, vendían de todo, incluidos cartuchos de escopeta, balas y pistolas... de todo; una especie de almacén.

Tenían de todo, incluyendo discos.

Incluyendo discos, sí.

¿Llegaste a conocer a Elmore James allá en el Sur?

Si, hombre. Ya lo creo. Elmo James vino a tocar en una de mis actuaciones, llegó con Sonny Boy. Los contraté a todos cuando me puse un garito por allí. Una de esas roadhouses. Me los traje de Helena, Arkansas y Elmo vino con ellos.

¿Tenías una roadhouse?

Sí, sí. Lo intenté por ahí.

¿En Clarksdale?

No, era en la plantación Stovall. Allí me la monté.

¿Cuánto tiempo la tuviste?

Pues la llevé dos o tres años.

¿Cuándo conociste a Sonny Boy Williamson (Rice Miller)?

En los años que estuvo por Helena. Yo subí por allí y me dejó hacer un par de canciones una noche de sábado. Llegamos allí un viernes, y ellos tenían entonces un programa de radio, creo que era de 12 a 12:30. Me dejó a mí y a mi amigo tocar un par de números con la banda. Se llamaba Son Simms, Henry Simms. Así es como le llamábamos, Son Simms.

¿Cuándo fue eso?

Al principio de los 40.

Son Simms y Muddy Waters

¿Escuchabas a menudo el programa "King Biscuit Time"?

Si no había radio en la casa donde estaba, me iba a la casa de al lado para escucharlo. Eran muy buenos.

Creo que también Little Walter llegó a actuar en otro programa de esa estación.

Sí, estuvo por allí. Seguramente tocaría con Sonny Boy y los demás, pero no llegó a tener su propio programa.

¿Conociste allí a Little Walter?

No, conocí a Little Walter en Chicago. Antes de que yo empezara a grabar; debió ser hacia el 44 ó 45.

¿Quién fue la primera persona a quien escuchaste tocar la guitarra eléctrica?

Big Bill fue el primero a quien vi con mis propios ojos tocando una eléctrica. Pero, bueno, mucha gente solía ponerle un micro a la acústica. Mira, Sonny Boy tocaba allá en el Sur con Big Joe (Williams); él le ponía un micro a la guitarra y le sacaba sonido, y también Sonny Boy soplaba en su micro, ya sabes.

¿Pero había guitarras eléctricas en el Sur mientras tú estuviste allí?

Yo no vi ninguna. Había algunas por allí, pero yo no llegué a ver ninguna. Pero sé que las había.

¿Quién fue el primer armonicista al que escuchaste tocando amplificado?

Rice Miller, Sonny Boy. En Helena.

¿Tocaba él solo?

Qué va!, tenía una banda cojonuda con él. Jo Willie, Peck, Dudlow y todos los demás.

Cuando llegaste a Chicago, el blues que se hacía aquí era un estilo diferente al que tú hacías, ¿no?

Muy diferente. Llegué a Chicago con mis blues y me los tuve que trabajar aquí. Entonces Memphis Slim era el gran nombre, Tampa Red y Maceo, Big Maceo, ellos eran los grandes tipos allí. Y Big Bill, el mejor tipo que he conocido en toda mi vida. El me dijo que yo valía para esto. Y creo que también él fue el causante de que yo pudiera ir a tocar la primera vez en Inglaterra (1958). Big Bill fue mi tutor allí. Era uno de los más grandes en el negocio.

¿Qué hizo para ayudarte, para animarte?

Bueno, solía alabar la manera en qué tocabas, le contaba a todo el mundo lo bien que lo hacías, y cuando fue a Inglaterra les habló de mí a todos esos tipos, y fue la razón de que yo pudiera ir allí después que él murió. Les dijo: "No habéis escuchado nada hasta que no conozcáis a ese muchacho de Mississippi". Todo el mundo me contó esto, él me llamaba así, "el joven Muddy Waters de Clarksdale, Mississippi, teneís que traerlo a tocar aquí".

¿Te ayudó mucho en Chicago también?

Bueno, no me llevó a grabar, pero siempre era un gran amigo, y cualquier cosa que le preguntaras, siempre te contaba cómo intentarlo y conseguirlo. A él nunca se le subió la cosa a la cabeza, como les pasó a algunos tipos, y no quiero decir sus nombres. Algunos de ellos ni siquiera me dirigieron la palabra, no como amigos míos.

Big Bill Broonzy con Muddy

Continuará...

LEAD BELLY

2011-11-14T21:10:00.001+01:00

1889 – 1949

Voz, guitarra, piano, acordeón

El Rey de la guitarra de las doce cuerdas es uno de los artistas negros más legendarios del siglo XX. Debido a su estilo, así como a la variedad de su repertorio, Lead Belly (como prefería que le llamasen) era un auténtico songster y no puede ser catalogado únicamente como bluesman. Sesenta años después de su desaparición, su presencia todavía continúa inspirando a generaciones de todo tipo de músicos en todo el mundo, como William Styron, Ben Harper, Neil Young, Keb Mo, Dionne Farris, Nirvana de Kurt Cobain, Led Zeppelin o Eric Clapton.

Aunque los historiadores no parecen ponerse de acuerdo, Hudson “Huddie” Leadbetter nació cerca de Mooringsport (Louisiana), probablemente en enero de 1889. Era hijo de antiguos esclavos y se sabe que alrededor de 1915 acompañó como lazarillo al primer gran bluesman de la historia, Blind Lemon Jefferson. Su primer instrumento fue un acordeón, regalo de su tío, de quien se dice que también le enseñó a tocar la guitarra.

Inició su carrera musical haciendo grandes viajes desde Texas hasta Nueva York. Acompañaba su canto con una guitarra de doce cuerdas, utilizando la resonancia del instrumento para lucirse a la hora de tocar bases rítmicas de acordes y frases de bajo. Ocasionalmente también tocaba el piano y el acordeón, y sus canciones tenían frecuentes parajes hablados a modo de explicación o desarrollo del tema.

Provisto de un físico imponente era un joven fuerte y descarado, que estaba acostumbrado a hacer lo que le daba la gana. No tardó demasiado tiempo en tener problemas con la ley. En 1918 ingresó en la penitenciaría de Texas condenado a cadena perpetua por asesinato. Cuenta la leyenda que, en 1925, quedó sorprendentemente en libertad tras impresionar al gobernador con una canción en la que suplicaba perdón. La realidad parece indicar que su puesta en libertad se debió más bien a su buen comportamiento. Una vez libre, regresó a su casa en Louisiana, aunque por poco tiempo.

En 1930 volvería a estar en la cárcel. Esta vez se vio envuelto en un nuevo lío de faldas, siendo acusado de intento de asesinato y condenado a 30 años de prisión. Su destino esta vez fue la dura penitenciaría de Angola, Louisiana. Cumpliendo condena, su talento musical salió a la luz, distrayendo con sus historias e interpretaciones a prisioneros y guardianes. El blues representaba una pequeña parte de su repertorio. Conocía miles de canciones de todo tipo y tocaba desde espirituales, baladas folk, cantos de cowboys y versiones de canciones populares, hasta composiciones propias.

En 1933 su suerte cambió cuando los folcloristas John y Alan Lomax visitaron la prisión de Angola, con la intención de grabar música para la Biblioteca del Congreso. Cuando se encontraron con Leadbetter, quedaron totalmente fascinados. Su efecto en ellos fue tal que, tras muchas gestiones, consiguieron su libertad condicional, con el compromiso de garantizar su buena conducta.

Para comenzar su rehabilitación, lo contrataron como chófer y ayudante de John Lomax. De este modo, lo llevaba en coche a otras prisiones del Sur en busca de canciones tradicionales, y daba conciertos en los campus de las universidades en las que Lomax le conseguía actuaciones.

En 1935 se casó y se trasladó a Nueva York donde siguió dando conciertos, haciendo apariciones en la radio o participando en causas políticas o laborales. Con su amplio repertorio, se convirtió en el músico de referencia en la nueva corriente de folk urbano que comenzaba a dominar en la ciudad. Fue el primer artista de folk blues que hizo conciertos de esta música para un público blanco fuera del Sur.

Sus registros sonoros comenzaron lógicamente para la Biblioteca del Congreso, aunque posteriormente también grabaría para RCA Bluebird, Columbia y Capitol, pero ninguno de sus discos de 78 rpm consiguieron el éxito comercial esperado.

En los años cuarenta realizó sus mejores grabaciones para Moses Asch, un ingeniero radiofónico que había montado un pequeño sello discográfico, Asch Records. LeadBelly no estaba nada satisfecho con el trato recibido por la familia Lomax, y no desaprovechó esta nueva oportunidad.

Muchas de sus canciones se han mantenido como estándares a lo largo de los años. Entre sus temas más conocidos están “Goodnight Irene”, “The Midnight Special”, “Rock Island Line”, “Cotton Fields”, “The Grey Goose”, “Pick Bale Of Cotton”, “Mr. Tom Hughes´s Town”, "In The Pines", “The Burgeois Blues” o “Good Mornin´ Blues”.

En 1949, después de la Segunda Guerra Mundial, hizo una gira por Francia abriendo las puertas a Europa para otros músicos, como Big Bill Broonzy. Lamentablemente no pudo continuar ya que cayó enfermo, y se le diagnosticó esclerosis lateral amiotrófica. Se vio entonces obligado a abandonar el Viejo Continente y regresar a su país.

Un año después de su muerte, el 6 de diciembre de 1949, su composición “Goodnight Irene”, interpretada por los Weavers, alcanzó el número uno en la lista Billboard. Más tarde fue el británico Lonnie Donegan con “Rock Island Line”. Poco después los Beach Boys con “Cottonfields”, y así en una interminable lista que ha continuado hasta nuestros días. Ironías del destino, Leadbelly se habría convertido en millonario, pero la realidad fue muy distinta, vivió toda su vida al borde de la miseria.

DISCOGRAFÍA SELECCIONADA:

- King Of Twelve-String Guitar

- Midnight Special: The Library of Congress Recordings

- Where Did You Sleep Last Night (Legacy Vol. 1)
- Bourgeois Blues (Legacy Vol. 2)
- Shout On (Legacy Vol. 3)
- Important Recordings 1934-1949
- Live: New York 1947 & Austin Texas 1949

"Rock Island Line" (versión grabada en 1944):

"In The Pines" (también conocida como "Where Did You Sleep Last Night". Versión grabada en 1947):
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SLEEPY JOHN ESTES

2011-10-23T13:30:00.001+02:00

1904 - 1977

Voz, guitarra.

De todos los grandes músicos que salieron del oeste de Tennessee, John Estes fue el que dejó una mayor huella por su exclusivo estilo de cantar el blues y, en trabajos posteriores, por sus percepciones y canciones de los acontecimientos y las personas de su entorno. Fue además el auténtico creador, junto a Hammie Nixon, del dúo de guitarra y armónica que hoy resulta tan familiar en el blues. Participó además de forma decisiva en la definición del futuro blues de Chicago de posguerra, estilo en el cual su alumno, John Lee “Sonny Boy” Williamson, figura como uno de los principales creadores.

John Adam Estes nació en Ripley (Tennessee) en 1904. Su padre, Daniel Estes, que tocaba la guitarra en los juke-joints, sería su primer profesor e inspiración, junto a un hermano mayor que solía tocar el banjo. Por aquel entonces llegaron a fabricarle un primitivo instrumento con cajas de cigarrillos, donde el joven John tuvo su primer contacto con la música.

En 1914, tras un desgraciado accidente en un partido de baseball, Estes perdió el ojo derecho. Su posterior aspecto somnoliento le valió el apodo de “Sleepy” con el que sería reconocido el resto de su vida.

En 1915 su familia se trasladó a Brownsville. Allí se unió a un veterano músico de los medicine shows, Hambone Willie Newbern, el cual ejercería de inspiración definitiva en su floreciente vida como músico.

Años después, en 1919, Estes ya tenía su propia banda montada junto a varios jóvenes músicos locales: James “Yank” Rachell a la mandolina, junto a los guitarristas Son Bonds y Charlie Pickett. Más tarde llegaría a colaborar con ellos también un jovencísimo John Lee “Sonny Boy” Williamson. Juntos no desaprovechaban cualquier oportunidad de tocar como fuera y donde fuese. Todos estos músicos (salvo Sonny Boy) comenzaron a grabar abundantemente con Sleepy John Estes o como solitas para diferentes sellos de la zona.

A mediados de los años veinte conoció al que sería a partir de entonces su mano derecha, el armonicista Hammie Nixon. Nacido en 1908 al principio se convirtió en una especie de hijo adoptivo y, más tarde, formaría con Sleepy un dúo de guitarra y armónica que sería toda una excitante novedad para la época.

La creciente popularidad de Sleepy John Estes respondía a una serie de grandes cualidades que éste poseía: un original timbre de voz desfallecido, una cadencia entrecortada, textos llenos de humor y astucia, así como una gran cohesión en todo este conjunto.

A finales de la década hizo sus primeras grabaciones semi profesionales acompañado de Rachell y Jab Jones al piano. En éste período grabó algunos de sus primeras obras maestras. “Milk Cow Blues”, “Broken Hearted” o “Diving Duck Blues” se han convertido en clásicos absolutos versioneados por innumerables artistas, desde Muddy Waters y Elvis Presley hasta Eric Clapton. Sin embargo, la Gran Depresión truncó de golpe esta prometedora carrera cerrando lo estudios de grabación casi por completo y forzando a Estes, y muchos otros, a cambiar de aires. Sleepy decidió trasladarse a Chicago.

A partir de entonces su asociación con Nixon se hizo fuerte. Su madre lo había dejado en sus manos para que se ocupase de su educación y posteriormente se convertiría en algo más que su acompañante: fue el apoyo atento y servicial de su líder, planeando alrededor de la guitarra de Sleepy, subrayando y prolongando su canto y realizando magníficos contracantos y solos. Los temas que grabaron juntos constituyen una de las cumbres absolutas de la historia del blues e influyeron a la mayoría de bandas de blues del Chicago de posguerra. “Someday Baby Blues”, grabado en 1935, es su tema insignia y uno de los clásicos inmortales del género.

Hacia finales de los años cuarenta, Estes perdió totalmente la visión y no tuvo más remedio que abandonar su vida de vagabundo. Fueron malos tiempos para Sleepy. Malvivía en una cabaña miserable cerca de Memphis, sin agua ni electricidad.

Los años pasaron y, sin él saberlo, comenzó a gozar de una gran reputación entre los jóvenes aficionados del blues revival a comienzos de los años sesenta. Gracias a Big Joe Williams, el productor Bob Koester supo de su situación y, escandalizado e indignado, fue en su busca sacándolo de su reclusión. Juntos regresaron a Chicago para realizar algunos conciertos y organizar una grabación junto a algunos de sus viejos compañeros que todavía vivían como Yank Rachell y Hammie Nixon.

La idea no pudo tener mejor acogida y a partir de ese momento comenzaría una nueva carrera para Sleepy John. No dejaría de grabar para Delmark, Folkways, Vanguard, Southland, Storyville, Revival o Adelphi. Por supuesto también actuaría en los festivales más importantes del momento, como el de Newport, y realizó giras por todo el mundo, desde Europa hasta Japón.

Con sus primeros ingresos importantes decidió comprar una casa de ladrillo en un barrio de Brownsville, aunque no solía quedarse por allí más que de vez en cuando, y prefería volver a su sórdida cabaña en medio de los campos. Allí pasaría largos inviernos, donde dormía tapado únicamente con periódicos sobre un saco de paja en el suelo.

Su salud se resentía, y una noche de 1977 el frío acabó con su vida.

DISCOGRAFÍA SELECCIONADA:

- I Ain´t Gonna Be Worried No More 1929-1941

- The Legend Of Sleepy John Estes

- In Europe

- Brownsville Blues
- Sleepy John Estes & Hammie Nixon

- Blues Live!

- The Essential

"Someday Baby Blues" (1935 con Hammie Nixon):

"Mailman Blues" (1966 con Yank Rachell):

Los sesenta. El resurgimiento del blues.

2011-09-26T21:44:00.000+02:00

El año 1960 comenzó en algún lugar del Océano Atlántico para Willie Dixon y Memphis Slim, que habían abandonado Chicago el día de fin de año para hacer su primera aparición en Europa y Oriente Medio. Este viaje en concreto fue un eslabón crucial en la cadena de acontecimientos que se produjeron durante los años sesenta y que cambiaron la visión del mundo respecto al blues y la visión de los bluesman respecto al mundo.

De vuelta a casa, otros sucesos que estaban provocando un cambio social en los Estados Unidos, también cambiaban el rumbo del blues y, mientras tanto, un buen número de bluesmen simplemente seguía interpretando la música con la que ellos y su gente habían crecido en sus barrios y ciudades natales, indiferentes a lo que estaba ocurriendo en Birmingham, Inglaterra o Alabama.

Para los medios de comunicación se trataba de la década del "re" del blues: resurgimiento, renacimiento, redescubrimiento. Para la música y para su público, fue una década de expansión y exploración, un fenómeno multidimensional, multidireccional y multinacional.

El blues arraigó entre los estudiantes universitarios, los folkies de los cafés, el público de los festivales, los asiduos de las discotecas psicodélicas y los rockeros; se tocaba y cantaba para la juventud de la contracultura, para las fiestas de hermandad de blancos del Sur y para su tradicional público negro en bares de blues, juke joints, discotecas y teatros; fue catalogado, analizado, transcrito y evaluado por profesores, folcloristas, coleccionistas y escritores.

En una década de causas, el blues no sólo se vio a si mismo. Las revistas de blues, los libros sobre el blues, los álbumes de blues y los festivales de blues empezaron por fin a consolidar una percepción del blues no sólo como legítima forma artística, sino como forma artística merecedora de una identidad distinta de la del folk, el jazz o el rock, en vez de ser simplemente un subgénero o la raíz de éstos.

El hecho de que los Rolling Stones, los Yardbirds y otros grupos británicos acabaran grabando tantas canciones de Willie Dixon era parte del plan. Cuando Dixon estaba en Inglaterra, a menudo cantaba, escribía o grababa canciones para sus jóvenes admiradores con la esperanza de que uno u otro de ellos grabara sus composiciones.

Mientras tanto, el material de blues se estaba haciendo realmente abundante, gracias al intercambio transoceánico que crearon los coleccionistas, escritores, productores de discos y músicos americanos y británicos. Los sellos especializados en reediciones, como Origin Jazz Library, resucitaron canciones de los años veinte y treinta. Sin embargo, lo que realmente se celebraba en Inglaterra era el sonido del Chicago de los años cincuenta: Muddy Waters, Howlin´ Wolf, Sonny Boy Williamson, Little Walter y el resto.

La influencia de los acontecimientos que se produjeron en Europa era grande, pero aún tardó cierto tiempo el blues en completar su ciclo transatlántico mediante las bandas británicas. No fue hasta la moda de la "beatlemanía" en los Estados Unidos en 1963, que América prestó una mayor atención a la música pop británica.

La influencia del duro blues británico no golpeó con fuerza hasta la llegada de la oleada musical encabezada por Eric Clapton (con John Mayall y más tarde con Cream), Fleetwood Mac y Jimi Hendrix (que volvió a los Estados Unidos como un intérprete de importación). Mediante los agradecimientos a los compositores en sus álbumes y los honores a los autores de blues en sus entrevistas, los ingleses convirtieron a miles de jóvenes americanos (y europeos) aficionados al rock a la música de Muddy Waters, Howlin´ Wolf, Robert Johnson, B.B. King, John Lee Hooker, Freddy King, Otis Rush y muchos otros.

Los festivales -en particular el Festival de Newport y la gira europea del American Folk Blues Festival- desempeñaron un importante papel a la hora de descubrir al público a los artistas tradicionales del blues. Fue en estos acontecimientos donde muchos bluesmen tocaron por primera vez ante públicos muy numerosos. Un largo elenco de bluesman extendieron sus tentáculos por Europa, y dejaron unas raíces que perdurarían para siempre en nuestros corazones.

El blues, sin lugar a dudas, debe su situación actual de amplia aceptación a muchas semillas que se plantaron en los años sesenta. El resurgimiento ha recorrido un ciclo completo. Las predicciones fatales sobre el fallecimiento del blues demuestran ser tan equivocadas como las promesas de una sociedad utópica, y prometen ser tan breves como el desánimo de la joven generación de músicos de blues. El blues y su atemporal mensaje continúan desafiando a los que predicen el futuro.

Fuente: Lawrence Cohn "Solamente Blues".

American Folk Blues Festival 1962 (Willie Dixon con Memphis Slim):

Newport 1966 (Bukka White con Howlin Wolf):

MAGIC SAM

2011-08-08T00:30:00.001+02:00

1937 - 1969

Voz, guitarra.

Magic Sam está considerado como el principal creador del conocido como West Side Sound, junto a sus otros dos precursores Otis Rush y Buddy Guy. Su pequeño legado discográfico es uno de los más perfectos de la historia del blues. Su repentina muerte truncó la vida de un artista que bien podría haberse convertido en una estrella internacional. Su característica voz y su sonido forman parte de la historia más reciente del género.

Samuel Maghett nació muy cerca de Grenada (Mississippi) el 14 de febrero de 1937 en una casa de aparcería, rodeado de las limitaciones y la pobreza propias de la época y lugar. Pronto comenzó a mostrar interés por la floreciente cultura musical que lo rodeaba en los campos y fiestas locales, y desde muy pequeño empezó a fabricarse sus propios instrumentos.

En 1950 su familia se mudó a Chicago. Allí su tío Shakey Jake, armonicista y músico profesional, se hizo cargo de él. A su llegada a la gran ciudad, el joven Samuel era ya un cantante y guitarrista de asombrosa destreza para su edad. De esta forma no tuvo demasiados problemas para empezar a colaborar primero con grupos locales de gospel, y más tarde incluso entrando a formar parte de la banda de Homesick James.

Combinando los estilos de los músicos donde nació, junto al sonido más urbano de los intérpretes de blues más populares como Muddy Waters y B.B. King, desarrolló el comentado "sonido del lado oeste" (West Side Sound) que marcaría la siguiente generación de los grandes bluesman de Chicago.

El joven Samuel comenzó a gozar cada vez de una mayor popularidad en los clubes de la ciudad. El compositor más conocido de la historia del blues, Willie Dixon, fue el primero en apoyarle de una forma más profesional, e intentó sin éxito su fichaje para la recién creada Chess Records. La insistencia de Dixon tuvo sus frutos y finalmente conseguiría que Eli Toscano, propietario de Cobra Records, se fijase en él.

En 1957 Samuel realizó sus primeras grabaciones para Toscano. Su nombre artístico se cambió entonces, haciendo un juego de palabras con su verdadero nombre. Samuel Maghett pasó a ser conocido para siempre como Magic Sam.

Su debút para Cobra no pudo ser más prometedor: "All Your Love" sería un gran éxito al que seguiría casi inmediatamente "Easy Baby". Durante los dos años siguientes Sam gozó de un enorme éxito local pero no encontró gran reconocimiento fuera de Chicago.

En 1960 Cobra cerró definitivamente sus puertas. Sus otros dos competidores, Otis Rush y Buddy Guy, encontraron trabajo en Chess Records, pero Magic Sam tuvo un camino muy diferente: fue reclutado en el Ejército. Harto de la vida militar, tan sólo 15 días después, desertó y regresó a Chicago. Irremediablemente sería arrestado y condenado a 6 meses de prisión.

Cumplida la condena, en 1962 regresa nuevamente a Chicago reencontrándose con Willie Dixon, bajo cuya producción grabaría en los años siguientes algunos temas sueltos para pequeños sellos locales. Sam comenzaba a estar realmente frustrado. Su mayor ilusión era grabar un álbum completo y comenzar una carrera profesional a mayor escala.

Ante las continuas quejas de su sobrino, Shakey Jake decidió ponerse en contacto con Bob Koester, el dueño de Delmark Records, y presentarle formalmente a Samuel. La iniciativa tuvo éxito y Magic Sam pudo por fin hacer realidad su sueño.

En 1967 se publica "West Side Soul", la primera obra maestra de Magic Sam. Excelente álbum que alterna versiones de clásicos del género, como "Sweet Home Chicago" de Robert Johnson, con composiciones propias como "I Need You So Bad". Un disco que muestra al artista en su máximo esplendor.

El éxito de público y crítica no se hizo esperar y un año más tarde vió la luz su segunda obra maestra: "Black Magic". El disco repetía la fórmula del anterior alternando versiones con temas propios e incorporaba, como novedad, al saxofonista Eddie Shaw, por aquel entonces integrante de la banda de Howlin´ Wolf.

Con los dos discos en el mercado la carrera de Magic Sam se relanzó definitivamente y comenzó a actuar en algunas de las mejores salas del país. En 1969 entró también a formar parte del mítico American Folk Blues Festival rumbo al viejo continente.

Su actuación en el inolvidable primer festival de blues de la historia, celebrado en agosto de ese mismo año en Ann Arbor, marcaría también un hito en su carrera. Con una hora de retraso y con un bajista de alquiler, Magic Sam encandiló a las 10.000 personas que pudieron ver en directo su actuación. Especialmente recomendable (aunque la calidad de la grabación sea deficiente) buscar el doble cd publicado por Delmark en los años noventa -"Live"- y que recoge esta actuación al completo.

Cuando todo parecía ir sobre ruedas y cuando se estaba fraguando la grabación de un nuevo disco bajo la producción de John Mayall, la tragedia apareció. El 1 de diciembre de 1969 Samuel Maghett sufrió un ataque al corazón que acabó con su vida cuando contaba tan sólo 32 años de edad.

En 1982 fue incluído en el Foundation Blues Hall Of Fame. Sus dos discos publicados en vida tienen el honor de ser considerados también por ésta fundación, como clásicos de las grabaciones de blues.

DISCOGRAFÍA SELECCIONADA:

- West Side Soul

- Black Magic

- The Essential: The Cobra And Chief Recordings 1957-1961

- The Magic Sam Legacy

- Live

- Magic Touch

- The Late Great Magic Sam

- Give Me Time

- Rockin´ Wild In Chicago

"Easy Baby" (1968 del álbum "Black Magic")

"All Your Love/Sam´s Boogie" (En directo 1969)

"BIG MAMA" THORNTON

2011-06-20T15:30:00.000+02:00

1926 - 1984

Voz, armónica, batería.

Hablar de "Big Mama" Thornton es hablar de una de las mejores voces femeninas de la historia del blues, y una de las pocas mujeres del género en los años cincuenta y sesenta. Fuera de los círculos del blues será recordada por dos canciones: "Hound Dog" (escrita para ella por Jerry Leiber y Mike Stoller y que luego sería nº1 en la versión de Elvis Presley) y "Ball And Chain" (escrita por la propia Thornton y popularizada por Janis Joplin). Fue además una excelente armonicista que desprendía un feeling especial encima de un escenario.

Willie Mae Thornton nació en Montgomery (Alabama) un frío 11 de diciembre de 1926. Era hija de un ministro de la Iglesia y compartío hogar con 6 hermanos. Siguiendo los pasos de su madre (que cantaba en el coro de la parroquia), despuntaría muy pronto en las corales religiosas durante su infancia.

A los catorce años, tras ganar un concurso para aficionados, abandonó el hogar para unirse a un grupo itinerante (Hot Harlem Revue) con el que estuvo durante siete años, adquiriendo experiencia en los duros escenarios del sur. Utilizando su voz y su ya impresionante talla, intentaron convertirla en una nueva Bessie Smith.

En 1948 se trasladó a Houston (Texas) donde aprendió a tocar la armónica y la batería y empezó a componer su propia música. En 1951 firmaría un contrato discográfico con Peacock. En esta compañía trabajó frecuentemente con el acompañamiento de John Otis y su banda, que trabajaban para el mismo sello. Con ellos grabaría una serie de temas más o menos brillantes, entre los que destacaba "Hound Dog", que vendió más de dos millones de copias alcanzando el nº 1 de las listas de R&B, pero que no le reportaría mayores beneficios económicos. En un mundo dominado por los hombres, Willie Mae se abría hueco como podía gracias a su talento, su potente voz, su armónica y su buen hacer sobre el escenario.

En 1957 Thornton rompió con Peacock y se trasladó a San Francisco. Sin banda y sin contrato de grabación estable, sobrevivió actuando en los clubes de los suburbios de la zona y realizando algunas grabaciones para pequeños sellos discográficos. Eran malos tiempos para Big Mama.

Sin embargo, como muchos otros artista negros, el blues revival de los sesenta la devolvió al lugar que, como mínimo, se merecía. De esta forma viajó a Europa participando en el American Folk Blues Festival de 1965 y en el Festival de Jazz de Monterrey en 1966.

Atraídos por el dinamismo que derrochaba en sus actuaciones, ficharía con Arhoolie, para los que grabaría lo mejor de todo su catálogo discográfico. Contó además con la presencia de acompañantes de la talla de Muddy Waters, Buddy Guy, James Cotton, Otis Spann, Lightnin´ Hopkins o Fred McDowell. "Ball N´Chain" es un disco recopilatorio fundamental de estas grabaciones, que no tiene desperdicio.

En esta época nos dejó para el recuerdo excelentes interpretaciones de clásicos del género o temas propios como "Sweet Little Angel", "Little Red Rooster", "Wade In The Water", "Sometimes I Have A Heartache", nuevamente la mencionada "Hound Dog" o "Ball And Chain" que, como comentaba anteriormente, fue retomada por Janis Joplin y se convirtió en un éxito multitudinario y que, al menos, le valió para conseguir más conciertos y grabaciones para el futuro.

Desgraciadamente el abuso del alcohol y las drogas fueron acabando con su salúd y la dejaron poco a poco escuálida y demacrada. A pesar de todo en los años setenta Thornton siguió grabando para Vanguard, Mercury y otros pequeños sellos, y trabajando en el circuito de los festivales del blues hasta poco antes de su muerte. De esta etapa, "Jail" (grabado en directo) y "Sassy Mama!", son discos todavía muy meritorios.

Fallecería finalmente de un ataque al corazón el 25 de julio de 1984, el mismo año que fue incluída en el Blues Hall Of Fame.

DISCOGRAFÍA SELECCIONADA:

- Hound Dog: The Peacock Recordings

- In Europe

- With The Muddy Waters Blues Band 1966

- Ball N´Chain

- Jail

- Sassy Mama!

- Complete Vanguard Recordings

"Hound Dog" (en directo con Buddy Guy en 1965)

"Rock Me Baby" (en directo en Oregon 1971)

Rhythm and Blues (R&B)

2011-06-04T18:12:00.033+02:00

En 1949 aparecía el término rhythm and blues en la revista Billboard, una publicación de la industria musical que, entre otras cosas, edita una lista de los éxitos discográficos del momento. Jerry Wexler, un editor que llegaría a formar parte de Atlantic Records, eligió rhythm and blues como denominación para los quince mejores discos concebidos por consumidores afroamericanos.

Aunque los orígenes del término de Wexler continúan siendo oscuros, un año antes, RCA/Victor lo utilizó en su catálogo para designar grabaciones al estilo negro. Los que trabajaban en el negocio discográfico en aquella época y los historiadores de la música actuales coinciden en que rhythm and blues era un nombre que inventó la industria para designar la músico o para referirse primero a las grabaciones y más tarde, por extensión, al tipo de música que se estaba grabando.

Rhythm and blues, un nombre impuesto desde fuera de la comunidad negra, reemplazaba a una etiqueta perversa, race, una designación anterior de la industria que, inicialmente, surgió de dentro de la propia comunidad negra. Race se utilizó desde los comienzos de las grabaciones comerciales negras en 1920 y abarcaba de todo, jazz, blues, gospel, pop, bandas de cuerda y un largo etcétera de estilos, por y para negros. Aunque estaba concebido para facilitar la segregación, el término se escogió con cierto cuidado por su connotación positiva entre los afroamericanos.

En 1949, después de más de veinticinco años de uso, race había empezado a tener un cierto regusto a racismo. La categoría race estaba pasada de moda, era un término obsoleto de la preguerra que ya no encajaba en el mundo más positivo de la posguerra. Ante todo, el cambio de nombre representa una mayor aceptación del valor de la música afroamericana. El rhythm and blues agrupó toda la música negra, salvo la música clásica (una categoría muy pequeña) y la música religiosa, a excepción naturalmente del gospel, que se vendía lo suficientemente bien como para irrumpir en las listas.

El rhythm and blues floreció como un producto comercial y un arte étnico racial durante el boom de la posguerra. Muchos fueron los nombres que a partir de entonces poblaron las listas R&B de Billboard: Ruth Brown y Clyde McPhatter desde Nueva York, Arthur "Big Boy" Crudup, Sonny Boy Williamson y Muddy Waters desde Chicago o T-Bone Walker, Charles Brown y Amos Milburn desde Los Angeles, son sólo algunos de los más destacados.

El rhythm and blues fue una música de cambio y movimiento, demasiado fluida como para comprometerse con un único estilo. Los sellos cambiaban de nombre y compraban y vendían artistas. Los artistas también cambiaban de compañía o, como John Lee Hooker, grababan para muchas al mismo tiempo. En 1955, estaba en plena floración, expandiéndose inexorablemente hacia el mercado popular.

En 1956, Billboard escribió que se trataba de la mejor época para el R&B. No era para menos, las listas de éxitos estaban dominadas por grandes estrellas como Fats Domino, Little Richard y Elvis Presley. Estas figuras, considerados por aquel entonces artistas de rhythm and blues, tuvieron la suficiente fuerza como para anunciar una nueva era que reclamaba un nombre distinto. A partir de ese año, el R&B coexistiría con su hijastro pelirrojo, el rock ´n´ roll.

Rhythm and Blues fue el término que dominó durante veinte años, antes de dar paso a otro abiertamente político, "música soul", un nombre que impuso la comunidad negra a la industria. Sin embargo, algo más de una década después, el término rhythm and blues reapareció y se ha conservado hasta hoy en día.

Es importante señalar finalmente que, en la actualidad, el término se refiere a la música popular afroamericana del momento, la que vende, como el funk, el rap, el go-go, el hip-hop, el blues y todo aquello que se filtre desde las siempre creativas calles.

AMOS MILBURN: "Bad Bad Whiskey"

RAY CHARLES: "Hit The Road Jack"

RUTH BROWN: "Mama He Treats Your Daughter Mean"

"The Centennial Collection"

2011-05-03T16:08:00.007+02:00

Cuando en 1936 Robert Johnson entró por primera vez a grabar un disco, lejos quedaban los tiempos como alumno de Willie Brown y Charlie Patton, o sus primeras colaboraciones con gente como Son House. No podía imaginar entonces la trascendencia histórica que iba a tener toda su obra grabada. Primero sería en 1990 cuando se publicó “The Complete Recordings”, un doble cd que recogía todas sus grabaciones conocidas hasta la fecha. A mediados de los años noventa se descubrió una toma alternativa de "Traveling Riverside Blues". Hoy, nuevamente se actualiza esta histórica publicación, con todas sus grabaciones exquisitamente remasterizadas, y que mejoran enormemente la versión anterior. "The Complete Recordings - The Centennial Collection" es un doble cd totalmente imprescindible para cualquier amante del blues que se precie.

En aquellos tiempos, para un músico del Delta del Mississippi, la única forma de poder grabar un disco pasaba por la tienda de H.C. Speir, en Jackson. Después de tocar por todo el sur del país, Johnson decidió seguir los pasos de Charley Patton o Skip James y un buen día entró en la tienda de Speir, con su vieja guitarra acústica Gibson, anunciando su intención de convertirse en una estrella. Henry Speir aceptó hacer una prueba. Impresionado con el resultado, lo recomendó a Ernie Oertle, que trabajaba para la discográfica ARC.

El 23, 26 y 27 de noviembre de 1936 se realizaron en el Hotel Gunter de San Antonio (Texas) la mayor parte de las grabaciones de Robert Johnson. Posteriormente, el 19 y 20 de junio de 1937, en un edificio de oficinas de Dallas, se registraron las restantes hasta completar un total de 29 composiciones y 13 versiones alternativas de algunas de ellas.

Aunque “Terraplane Blues” fue la única canción que vendió bien en aquella época, sin duda estas 42 grabaciones constituyen probablemente el legado más importante de la historia de la música popular estadounidense.

Para conmemorar los 100 años de su nacimiento (8 de mayo de 1911) se ha publicado recientemente este doble disco que, como digo, es un extraordinario documento sonoro que nadie debería perderse.

DISCO 1 (SAN ANTONIO RECORDINGS):

01. Kind Hearted Woman Blues

02. I Believe I´ll Dust My Broom

03. Sweet Home Chicago

04. Ramblin´ On My Mind

05. When You Got A Good Friend

06. Come On In My Kitchen

07. Terraplane Blues

08. Phonograph Blues

09. 32-20 Blues

10. They´re Red Hot

11. Dead Shrimp Blues

12. Cross Road Blues

13. Walkin´ Blues

14. Last Fair Deal Gone Down

15. Preachin´ Blues (Up Jumped The Devil)

16. If I Had Possession Over Judgment Day

Alternates:

17. Kind Hearted Woman Blues

18. Ramblin´ On My Mind

19. When You Got A Good Friend

20. Come On In My Kitchen

21. Phonograph Blues

22. Cross Road Blues

DISCO 2 (DALLAS RECORDINGS):

01. Stones In My Passway

02. I´m A Steady Rollin´ Man

03. From Four Until Late

04. Hell Hound On My Trail

05. Little Queen Of Spades

06. Malted Milk

07. Drunken Hearted Man

08. Me And The Devil Blues

09. Stop Breakin´ Down Blues

10. Travelling Riverside Blues

11. Honeymoon Blues

12. Love In Vain Blues

13. Milkcow´s Calf Blues

Alternates:

14. Little Queen Of Spades

15. Drunken Hearted Man

16. Me And The Devil Blues

17. Stop Breakin´ Down Blues

18. Guitar figure-test groove/Traveling Riverside Blues

19. Johnson speaks-test groove/Love In Vain Blues

20. Milkcow´s Calf Blues

TOMMY JOHNSON

2011-03-16T21:46:00.031+01:00

1896 - 1956

Voz, guitarra.

Tommy Johnson es uno de los grandes creadores del blues del Delta. Grabó muy poco, 14 temas, pero muchos de ellos son obras maestras y se han convertido en clásicos del género. Su legado es de una riqueza inaudita: sus temas poseen gran intensidad dramática, insuperable en los tiempos lentos y medios, canta utilizando el falsete con unos resultados extraordinarios, los textos están repletos de alegorías inolvidables y toca la guitarra con los bajos sincopados, libremente inspirado en Charley Patton.

Tommy Johnson fue el sexto de trece hermanos. Nació en una plantación cerca de Terry (Mississippi) en 1896. Pasó la mayor parte de su vida entre la pequeña ciudad de Crystal Springs y Jackson, la capital del Delta.

Dedicó su tiempo a la música, el alcohol y las mujeres. Siendo todavía un adolescente se fugó con una mujer casada mayor que él. Dos años más tarde volvió a Crystal Springs convertido en un cantante y guitarrista consumado. Los supervivientes de su familia, entrevistados en los años sesenta, afirmaron que Tommy había vendido su alma al diablo a cambio de ese don musical que le había resultado muy caro. Una leyenda que el otro Johnson más conocido, Robert, utilizaría también descaradamente en vida para engrandecer su figura.

Tommy se convirtió en uno de los primeros grandes bluesman del Mississippi. Se trasladó a Jackson y ejerció su influencia sobre todo el panorama musical de la ciudad, donde ya abundaban los artistas con talento como los Mississippi Sheiks, Bo Carter o los hermanos McCoy.

En 1928, el legendario cazatalentos H.C. Speir se quedó tan impresionado cuando le conoció que lo recomendó al sello Victor de Memphis para realizar unas grabaciones. Primero en el mes de febrero (acompañado por Charlie McCoy) y más tarde en agosto de ese mismo año, Tommy grabó la mayoría de sus grandes obras maestras. Sus discos tuvieron un éxito aplastante, sobretodo el evocador "Big Road Blues", elegido mejor blues del año por los lectores de una importante revista negra de la época. "Cool Drink of Water Blues", Maggie Campbell Blues", "Big Fat Mama Blues", o la comentada "Big Road Blues", son algunos de sus grandes clásicos. Incluso uno de sus temas, "Canned Heat Blues" daría nombre a uno de los más célebres grupos de rock americanos de los años setenta.

Durante algún tiempo Johnson vivió como una "estrella", grabando de nuevo algunos temas soberbios en diciembre de 1929, ésta vez en Grafton, Wisconsin. Con el propósito de convertirse en una gran figura musical se trasladó a Chicago. No obstante, la mayoría de este tiempo lo pasó en prisión, arrestado por "embriaguez en la vía pública". La Gran Depresión de los años 30 hizo estragos en la industria discográfica y en cuanto pudo, Tommy regresó a su tierra natal donde permanecería hasta su muerte.

Inestable y desconfiado, Tommy Johnson fue incapaz de labrarse una carrera musical más o menos razonable. Incluso llegó a perder en el juego sus fructuosos derechos de autor y durante unos treinta años llevó la miserable vida de un alcohólico, con frecuentes estancias en prisión.

A pesar de todo nunca dejó de tocar en Jackson y alrededores, montando una banda eléctrica después de la guerra con la que lamentablemente nunca grabó. Hasta en sus últimos días siguió siendo una influencia mayor para todos los bluesmen de la región. Su música llegó a ser referente para Ishman Bracey, Robert Nighthawk, Howlin Wolf, Sammy Myers, Muddy Waters, etc.

El primer día de noviembre de 1956, murió de una intoxicación etílica.

Todas sus grabaciones pueden encontrarse en "Canned Heat (1928-1929)"

"Cool Drink of Water Blues" (Febrero de 1928)

"Canned Heat Blues" (Agosto 1928)

Fuente: Gérard Herzhaft "La gran enciclopedia del Blues"

El "Santo Grial"

2011-02-22T21:11:00.019+01:00

Aunque los historiadores no parecen ponerse de acuerdo en la fecha exacta de grabación, probablemente entre mayo y agosto de 1930 se reunieron en Grafton (Wisconsin) los músicos de blues del Delta del Mississippi más talentosos del momento, con la intención de grabar el mayor número de canciones posibles para una Paramount Records al borde de la quiebra. Charley Patton, Louise Johnson, Willie Brown y un joven Son House, eran los más destacados de una de las sesiones de grabación más memorables de la historia.

Durante años se fueron recopilando uno a uno todos los discos de 78 rpm que Paramount había publicado con el tiempo. Todos excepto uno de ellos, que contenía dos temas grabados por Son House: "Mississippi County Farm Blues" en la cara A y "Clarksdale Moan" en la cara B. Durante varias generaciones, esta publicación fue considerada por los más afamados coleccionistas, como el "Santo Grial" de las grabaciones perdidas de la historia del blues.

Finalmente, en septiembre del 2005 se hizo la luz: un coleccionista, que prefirió mantener su anonimato, anunció que tenía una copia del disco en buen estado de conservación. El 4 de abril del año siguiente ambos temas fueron publicados. Los coleccionistas y amantes del género no se vieron defraudados, aunque algunos de ellos albergaban la esperanza de que Charley Patton, presente durante la grabación de los cortes, hubiese participado en ellos.

Como la mayoría de todo lo registrado en aquellas inolvidables sesiones, la calidad del disco está fuera de toda duda. "Mississippi County Farm Blues" es una versión rápida de un tema que el propio House había vuelto a grabar para la Biblioteca del Congreso en 1941. Pero lo mejor se encontraba en la otra cara. "Clarksdale Moan" es una excelente canción desconocida, que House nunca volvería a grabar.

Yazoo Records fue el primero en publicar estas, y otras muchas rarezas, en su recopilatorio "The Stuff That Dreams Are Made Off".

Para finalizar, aquí está el listado completo de todos los temas conocidos de estas impresionantes sesiones para Paramound:

CHARLEY PATTON:

- Some Summer Day

- Bird Nest Bound

- Dry Well Blues

- Moon Going Down

WILLIE BROWN:

- Future Blues

- M&O Blues

LOUISE JOHNSON:

- All Night Long Blues

- On The Wall

- All Night Long Blues

- By The Moon And Stars

- Long Ways From Home

SON HOUSE:

- Walkin' Blues

- My Black Mama - Part I

- My Black Mama - Part II

- Preachin' The Blues - Part I

- Preachin' The Blues - Part II

- Dry Spell Blues - Part I

- Dry Spell Blues - Part II

- Mississippi County Farm Blues

- Clarksdale Moan

"Hooker ´N Heat"

2011-02-07T18:05:00.019+01:00

A finales de los sesenta y después de 25 años residiendo en Detroit, John Lee Hooker decidió dar un cambio a su vida y a su carrera, trasladándose a California. En pleno declive del blues, con la aparición de grandes bandas de rock por todo el mundo, en mayo de 1970 se reúne en los estudios "Liberty" de Los Angeles con un grupo de sus seguidores más acérrimos y una de las mejores bandas de blues americanas del momento, Canned Heat. Juntos graban un doble disco que se convertirá en una de las colaboraciones más célebres de la historia: "Hooker ´N Heat".

El doble álbum reúne a Hooker con una banda entonces formada por Alan Wilson, Henry Vestine a la seguna guitarra, el bajista Antonio de la Barreda y el batería Adolfo de la Parra. Con una calidad de grabación extraordinaria el álbum no tiene desperdicio desde el primer al último tema.

El disco se inicia con 6 canciones de Hooker en solitario, junto a su guitarra y el sonido de batería que creaba con sus zapatos. A continuación Alan Wilson se une a la fiesta, primero con la armónica en 3 temas, a continuación los 2 siguientes al piano y uno más a la guitarra. Todo un repertorio de blues de calidad por los cuatro costados.

En "Whiskey And Wimmen´" y hasta el final, es cuando participa el grupo al completo. La compenetración con Hooker es extraordinaria, manejándose a las mil maravillas tanto en los temas rápidos como en los blues más lentos.

El fin de fiesta llega con una larga versión de más de once minutos del clásico grabado por John Lee Hooker en 1950 "Boogie Chillen nº 2". Hooker repite la letra sobre un tempo que se va acelerando hasta desembocar en uno de los boogies más intensos jamás grabados en disco. Espectacular.

El álbum obtuvo un gran éxito pero estuvo precedido de una trágica noticia: cuando estaba a punto de publicarse, Alan Wilson fue encontrado muerto a causa de una sobredosis de barbitúricos.

40 años después, "Hooker ´N Heat" sigue siendo uno de esos discos imprescindibles para cualquier aficionado al blues que se precie.

01 - Messin' With the Hook

02 - The Feelin' Is Gone
03 - Send Me Your Pillow
04 - Sittin' Here Thinkin'
05 - Meet Me in the Bottom
06 - Alimonia Blues
07 - Drifter
08 - You Talk Too Much
09 - Burning Hell
10 - Bottle Up and Go
11 - The World Today
12 - I Got My Eyes on You
13 - Whiskey and Wimmen'
14 - Just You and Me
15 - Let's Make It
16 - Peavine
17 - Boogie Chillen No.2

MISSISSIPPI FRED McDOWELL

2011-01-17T20:11:00.009+01:00

1904 – 1972

Voz, guitarra

Cuando escuchas a Fred McDowell te encuentras con una voz suave y melancólica y una guitarra muy particular y limitada, pero de una intensidad y brillantez sublimes. Fred tenía 55 años cuando hizo sus primeras grabaciones, pero su estilo en el uso del slide alcanzó cotas que muy pocos han conseguido igualar. En poco más de una década nos dejó un legado más que suficiente para ser considerado uno de los grandes del blues del Delta.

Fred McDowell nació en Rossville, Tennesse, el 12 de enero de 1904. Creció en una granja ayudando a su padre a trabajar en los campos de algodón y maíz. A los veinte años se fue a Memphis y posteriormente, a comienzos de la década de 1940, se instalaría definitivamente en Como (Mississippi).

McDowell siempre llevó la típica vida de un granjero que tocaba música los fines de semana. Aprendió a tocar la guitarra en solitario, después de ver a numerosos músicos locales en los juke-joint. Entre ellos conoció a Charley Patton y fue de él de donde sacaría su mayor inspiración para el futuro. Con el tiempo se convirtió en un consumado maestro utilizando un cuello de botella auténtico para obtener el efecto conocido como slide. Aprendió esta técnica de su tío, que utilizaba un hueso de animal picado y limado, para extraer de las cuerdas ese sonido quejumbroso tan característico, y que al joven Fred le pareció absolutamente fascinante.

Nada de todo esto hubiese pasado a la historia de no ser porque Alan Lomax, en uno de sus numerosos viajes por el sur del país recogiendo grabaciones para la Biblioteca del Congreso, lo descubriera mientras hacía trabajo de campo en 1959. Lomax decidió grabarlo allí mismo, al aire libre, de noche y bajo la luz de una linterna. La reacción de McDowell al escuchar posteriormente la grabación fue de satisfacción absoluta. En palabras del propio Lomax: “empezó a saltar por el porche, aullando y riéndose y abrazando a su esposa. Sabía que lo habían oído y se sentía afortunado”. Estas históricas grabaciones pueden encontrarse actualmente en el cd “The First Recordings – The Alan Lomax Portraits Series”.

A partir de entonces su vida cambiaría radicalmente. McDowell sólo viviría algo más de una docena de años desde entonces, pero se mantuvo en activo durante todo este tiempo. Pese a disponer de un limitado repertorio, aprovechó las oportunidades que le brindaron algunas compañías independientes como Testament o Arhoolie, casi siempre con excelentes resultados.

Comenzó a actuar en los festivales del blues revival de los sesenta (como en Newport) y formó parte en 1965 del American Folk Blues Festival recorriendo parte del continente europeo. Su nombre se hizo muy popular y esto le valió para realizar numerosas giras dentro y fuera de su país, incluyendo también Europa como resultado de su fructífera visita al Viejo Continente.

Los éxitos se sucedían y en 1969 Capitol publicó uno de sus discos más recordados: “I Do Not Play No Rock And Roll”. Tocando por primera vez una guitarra eléctrica y acompañado de una pequeña sección rítmica, este álbum llegaría a ser nominado para los premios Grammy, tanto en la categoría tradicional como en la de música étnica y folk.

A pesar de toda esta “gloria” como artista internacional que Fred estaba viviendo, seguía siendo prácticamente ignorado en su tierra natal, y tuvo que continuar trabajando duro la tierra o como empleado de una gasolinera para subsistir.

En 1971 los Rolling Stones versionearon “You Gotta To Move” en su álbum “Sticky Fingers”, y lo registraron como original de McDowell que había hecho algunas grabaciones memorables del mismo. Entonces sí que pudo cobrar una sustanciosa cantidad por los derechos de autor, que utilizó para comprar una gasolinera en la Higway 61, la carretera a la que tantas canciones había dedicado. Pudo hacer realidad de esta forma uno de sus viejos sueños.

Desgraciadamente este momento dulce le duró muy poco ya que, a finales de ese mismo año, tuvo que abandonar los escenarios tras diagnosticársele un cáncer de estómago. Tras varios tratamientos y una operación, los médicos no lograron detener el desarrollo de la enfermedad y McDowell falleció el 3 de julio de 1972 en el Hospital Baptista de Memphis.

Fue enterrado en Hammond Hill (Mississippi) y en la actualidad en el monumento conmemorativo a su persona puede leerse, a modo de epitafio, un extracto de la letra de una de sus canciones: “Puedes ser de clase alta / Puedes ser de clase baja / Puedes ser rico, chaval / Puedes ser pobre / Pero cuando el Señor lo dispone, tienes que irte”

DISCOGRAFÍA SELECCIONADA:

- The First Recordings (The Alan Lomax Portraits Series)
- Mississippi Delta Blues
- You Gotta Move
- My Home Is In The Delta
- Amazing Grace
- I Do Not Play No Rock And Roll
- Mississippi Fred McDowell
- The Best Of Mississippi Fred McDowell

"Shake Em On Down"

"Louise" (1970)

T-BONE WALKER

2011-01-02T18:23:00.012+01:00

1910 - 1975

Voz, guitarra.

T-Bone Walker es un artista fundamental en el desarrollo de la guitarra eléctrica en el blues. Aunque los puristas lo acusaban de no ser un auténtico bluesman, porque solía tocar y grabar con músicos de jazz, lo cierto es que fue uno de los grandes creadores e innovadores del blues y el rhythm & blues californianos, y su influencia en artistas posteriores es enorme: desde B.B. King, Otis Rush o Buddy Guy hasta Stevie Ray Vaughan o Eric Clapton. Fue el intérprete más prestigioso del nuevo sonido de los años cuarenta y es autor además de numerosas canciones que se convirtieron en clásicos absolutos del género.

De padres cantantes y abuela cherokee, Aaron Thibeaux Walker nació el 28 de mayo de 1910 en Linden (Texas). Siendo todavía un niño, tras separarse sus padres, se fue a vivir a la casa de su abuelo materno. Fue su padrastro, Marco Washington, quien le inició en el aprendizaje de cualquier instrumento que tuviese cuerdas: banjo, mandolina, guitarra o violín.

Su familia solía reunirse los domingos y festivos y, con la colaboración de sus vecinos, improvisaban cantando y tocando música de todo tipo. En estas reuniones solía participar Blind Lemon Jefferson, un cantante que impresionó al joven Walker debido a que solía utilizar la guitarra como elemento dramático para subrayar el contenido de sus canciones. Con tan sólo diez años, cuando la familia se instaló en Dallas, acompañó como lazarillo a Jefferson por sus calles, y es indudable que la influencia de esta leyenda del blues en el joven Walker fue definitiva.

Poco a poco Walker comenzó a dominar el banjo, de forma que comenzó a tocar y bailar participando en las giras rurales de promoción de tónicos medicinales tan usuales en su país en aquella época. En 1929 ganó un concurso cuyo premio consistía en acompañar durante una semana a la Big Band de Cab Calloway, donde le concedían un número en solitario en el que se abría de piernas mientras tocaba el banjo.

Su debut discográfico se produjo a finales de ese mismo año cuando, bajo el nombre de Oak Cliff T-Bone, graba para Columbia un disco con dos blues al estilo texano del momento: “Trinity River Blues” y “Wichita Falls Blues”. Lo que parecía un prometedor comienzo, se quedó solamente en eso, porque la llegada de la Gran Depresión le cerraría las puertas de los estudios de grabación durante más de diez años.

Poco después de estas primeras grabaciones, el joven Walker descubrió el jazz y la guitarra eléctrica. A través de su amigo Charlie Christian tuvo acceso a los primeros prototipos y, fascinado por el estilo de Lonnie Johnson que tocaba nota a nota, decidió perfeccionar su técnica asistiendo a clases de guitarra con el profesor de Charlie, Chuck Richardson.

A partir de 1934 se mudó a California y fue uno de los primeros en utilizar la amplificación eléctrica, tocando en orquestas de swing. Además de cantante y guitarrista Walker era un auténtico showman. Como antes había hecho Charlie Patton, solía tocar la guitarra en diferentes posiciones, tras su espalda o entre las piernas.

En 1939 volvió por fin a los estudios de grabación con la Les Hite Cotton Club Orchestra, y juntos grabaron “T-Bone Blues”. Aunque en este tema sólo canta, obtuvo gran éxito gracias a la utilización de la guitarra eléctrica (tocada por Frank Pasley) que, por aquel entonces, todavía era algo poco frecuente en el blues. Animado por los acontecimientos decidió formar su propia banda.

Aunque pasaba grandes temporadas en Chicago, era sobretodo en los clubs de Los Angeles donde trabajaba y empezó a grabar con regularidad. A partir de 1942 inició su asociación con los sellos Capitol y Black & White, imponiéndose como una de las estrellas del nuevo blues urbano de la costa oeste. Tempos lánguidos y composiciones sentimentales, acompañados de su voz cálida y su guitarra limpia y fluida que, junto a su pose y modales distinguidos, le convirtieron en un modelo a seguir entre el joven público negro. Varios clásicos aparecen ya en esta etapa como “T-Bone Shuffle”, “Long Skirt Baby Blues”, “Mean Old World”, “Bobby Sox Baby” y por supuesto su tema estrella, “Call It Stormy Monday”.

Tras su copiosa producción en los años cuarenta y convertido en el guitarrista de blues más popular e influyente del momento, en 1950 firma con Imperial Records. En esta nueva etapa los arreglos eran más consistentes y los solos de guitarra mucho más incisivos. Durante 4 años Walker volvió a grabar una impresionante lista de obras maestras como “You´re My Best Poker Hand”, “Strollin´ With Bone”, “West Side Baby”, “Life Is Too Short”, “I Get So Weary” o “Hard Way”. Pese a la enorme calidad de la mayoría de sus obras para Imperial, ninguno de estos temas tuvo el éxito comercial que se merecían.

A finales de la década de 1950 publica para Atlantic Records uno de sus discos referencia, “T-Bone Blues”. Grabado en tres sesiones diferentes entre 1955 y 1957, se nos presenta un álbum que recoge diferentes estilos: muy jazz con Barney Kessel, muy blues con Junior Wells y Jimmie Rogers o muy T-Bone con su guitarra concisa y elegante. Estamos pues ante una de las maravillas absolutas del blues de posguerra.

En los años sesenta su impecable aspecto blues-jazzy pasó de moda y T-Bone vivió su mayor declive. En esa época Walker decidió prescindir de una banda fija y tocaba con los músicos locales donde quiera que fuese. En 1962, junto a muchos de sus contemporáneos, formó parte del American Folk Blues Festival. Su visita a Europa le reportó un enorme éxito y acabaría volviendo al Viejo Continente unas cuantas veces más.

A finales de la década de 1960, cuando el número de sus seguidores había disminuido considerablemente en su país, adaptó su música a los sonidos funky tan de moda en aquellos tiempos. Arropado una vez más por una buena orquesta, Walker grabó dos grandes trabajos, “Funky Town” y sobretodo “Stormy Monday Blues”.

En el inicio de los años setenta Walker seguía grabando con regularidad y, aunque su salud comenzaba a fallarle, todavía pudo recibir un premio Grammy en 1970 por su excelente álbum “Good Feelin´”.

Walker nunca se cuidó y su constante abuso del alcohol acabó por afectarle drásticamente. A comienzos de los setenta su mal estado se hizo patente en su música y en sus conciertos. Durante toda su vida T-Bone Walker había despilfarrado grandes cantidades de dinero en mujeres, coches y guitarras y en sus últimos años de vida llegó a pasar serios apuros económicos.

Permaneció en activo hasta 1974 y falleció finalmente en Los Angeles al año siguiente, el 16 de marzo de 1975.

Artículo publicado en el número 21 de la revista "Palabra de Blues" (enero 2011)
Última revisión: 2/1/2011

DISCOGRAFÍA SELECCIONADA:

- The Complete Capitol/Black & White Recordings
- The Complete Imperial Recordings 1950-1954
- T- Bone Blues
- Stormy Monday Blues
- Funky Town
- Good Feelin´
- The Very Best Of T-Bone Walker

"Don't Throw Your Love On Me So Strong" (The American Folk Blues Festival 1962)

"Woman, You Must Be Crazy" / "Goin' To Chicago Blues" (Jazz at the Philharmonic, UK - BBC TV 1966)

"Boogie Chillen"

2010-12-20T17:52:00.016+01:00

El 3 de noviembre de 1948 se produjo el debut discográfico de John Lee Hooker. Tras más de cinco años tocando en las calles y los pequeños clubs de Detroit, al fin le había llegado la hora de mostrar su talento en un estudio de grabación. Bernard Besman, el propietario del pequeño sello local Sensation Records, registró en los "United Sound Studios" una sesión que a la postre se convertiría en histórica.

Tras la grabación de varias canciones ("Sally Mae", "War Is Over" o "Crazy ´Bout That Woman"), Besman le pidió a Hooker un tema algo más rápido. Entonces surgió "Boogie Chillen". El disco saldría a la venta a finales de 1948 bajo el sello Modern... ahí comenzó la leyenda. Fue un éxito arrollador y a comienzos del año siguiente llegó al número 1 en las listas rhythm and blues de ventas, puesto en el que permanecería durante varias semanas. Oficialmente llegaría a facturar más de un millón de copias. Había nacido el boogie.

Yeah, my mama she didn´t allow me
Yeah, to stay out all night long, oh Lord
Well, my mama didn´t low me
Get to stay out all night long
I didn´t care if she didn´t allow
I would Boogie Woogie anyhow

When I first come to town, people
I was walkin´ down Hasting´s Street
I heard everybody talkin´ about
Henry´s Swing Club
I decided I´d drop in there that night
And when I got there
I said yes, people
Yes, they were really haven´ a ball
Yes, I know
Boogie Chillen!

One night I was layin´ down
I heard mama and papa talkin´
I heard papa tell mama
To let that boy Boogie Woogie
´cause it in him
And it got to come out
Well I felt so good
And I went on Boogie Woogie
Just the same
Yes!

Versión en directo con Roy Rogers en 1992:

HIJO DEL BOOGIE

Sí, mi madre no me permitía
Sí, estar fuera toda la noche, oh Señor
Bueno, mi madre no me permitía
Estar fuera toda la noche
A mí no me importaba si no me dejaba
Yo bailaría el Boogie Woogie de todas maneras

Cuando vine a la ciudad por primera vez, amigos
Me fui andando a la calle Hastings
Escuché a todo el mundo hablar sobre
el Henry´s Swing Club
Decidí dejarme caer por allí esa noche
Y cuando llegué
Dije sí, amigos
Sí, ellos estaban pasándoselo realmente en grande
Sí, lo sé
Hijo del Boogie!

Una noche estaba tumbado
Escuché a mi madre y a mi padre hablando
Escuché a mi padre decirle a mi madre
Que dejara al chico ir a bailar el Boogie Woogie
Porque está dentro de él
Y tiene que salir
Entonces me encontré muy bien
Y seguía bailando el Boogie Woogie
Como siempre
Sí!

BUKKA WHITE

2010-12-08T12:28:00.001+01:00

1906 – 1977

Voz, guitarra, piano.

Bukka White pertenece a la segunda generación de innumerables bluesmen que surgieron de la región del Delta del Mississippi. Adepto a la utilización del slide, dotado de una voz profunda y un estilo inconfundible, el hombre de la guitarra de acero National es considerado uno de los mayores bluesman que jamás hayan existido.

Booker T. Washington White nació en una pequeña ciudad llamada Houston (Mississippi) el 12 de noviembre de 1906. Aprendió a tocar la guitarra y el piano durante la infancia a través del juke-joint de su tío, con el que vivió en Clarksdale desde los trece años. Durante esta época conoció a Charley Patton (una de sus influencias musicales) quien le enseñó también algunas técnicas y trucos con la guitarra.

A partir de 1921 comenzó a recorrer todo el Delta tocando con el pianista George “Bullet” Williams. Estos incansables viajes tenían un doble objetivo: aprender lo máximo posible de esta experiencia y escapar de la durísima vida recogiendo algodón en los campos del Delta.

Con tan sólo dieciséis años se casó con Jessie Bea, la cual fallecería 3 años después tras una ruptura de apéndice en un Hospital de Houston (Mississippi). Sin duda un duro golpe para White que todavía no había cumplido los veinte años.

Poco a poco su creciente reputación como bluesman atrajo a los cazatalentos y de esta forma Ralph Lembo, que tenía una tienda en Itta Bena, organizó la primera sesión de grabación para el sello Victor en Memphis en 1930. Bajo el nombre de Washington White hizo sus primeras grabaciones con una mezcla de blues, góspel y temas religiosos. De los catorce temas que parece llegaron a grabarse, únicamente se publicaron cuatro de ellos. “New Frisco Train” y “Panama Limited” son los más conocidas.

En plena depresión económica las oportunidades de volver a grabar un disco para White se cerraron por completo. La crisis en la industria musical fue catastrófica y White abandonó Memphis y regresó a Mississippi.
Habría que esperar a 1937 para que, recomendado por Big Bill Broonzy, viajase a Chicago para volver a grabar. En esta sesión registró su mayor logro comercial, el clásico “Shake ´Em On Down”. El éxito de este tema fue fulminante y sería versioneado casi de inmediato por numerosos bluesmen de la época como Bo Carter, Big Joe Williams y el propio Big Bill Broonzy.

Pero justo cuando se hizo esta grabación, Bukka estaba siendo juzgado por una pelea callejera que había acabado trágicamente y donde White había sido acusado de asesinato. Finalmente sería declarado culpable y condenado a la dura penitenciaría de Parchman Farm.

Cuando Bukka White ingresó en prisión era un hombre con un disco de éxito grabado y que tenía ya una larga historia a sus espaldas. Había combatido con cierta fortuna como boxeador profesional en Chicago, había jugado al béisbol dos temporadas con los Birminghan Black Cats, había vendido licores de contrabando, había actuado como músico itinerante y había hecho largos viajes que superaban a muchos de sus contemporáneos, pasando por Saint Louis, Baltimore, Cincinnati, Cleveland e incluso Buffalo. El éxito de “Shake ´Em On Down” le valió en Parchman el estatus de celebridad dentro de la prisión, lo que le sirvió para disfrutar de ciertos privilegios.

Cuando John Lomax (que estaba haciendo grabaciones de músicos tradicionales para la Biblioteca del Congreso) llegó a Parchman Farm buscando posibles intérpretes, se encontró con White y le propuso grabar para él. Acostumbrado a cobrar por sus discos White accedió a regañadientes y grabó sólo dos temas: un viejo blues llamado “Po´ Boy” y un nuevo tema propio titulado “Sic ´Em Dogs On”.

Tras su salida de prisión poco después, se dirigió a Chicago decidido a convertirse en un artista profesional. En marzo de 1940, con una guitarra Gibson que le había prestado Big Bill Broonzy, y acompañado únicamente de Washboard Sam que tocaba la tabla de lavar, grabó para Vocalion 12 nuevos temas que siguen considerándose entre las mayores obras maestras de la historia del blues. “High Fever Blues”, “Parchman Farm Blues”, "Sleepy Man Blues", “When Can I Change My Clothes?” o “Fixin´ To Die Blues” son clásicos del Delta a su máximo nivel. A partir de entonces la mayoría de estos temas se convertirían en el grueso de su repertorio.

A pesar de todo, por aquel entonces estas nuevas grabaciones no le sirvieron para alcanzar su sueño de hacer una exitosa carrera como bluesman. En 1942 fue reclutado por la Marina de los EEUU para participar en La Segunda Guerra Mundial. Dos años más tarde sería liberado y se instalaría definitivamente en una pensión en Memphis. Aunque lo contrataban de vez en cuando para tocar en alguna fiesta de fin de semana, se ganaba la vida trabajando en una fábrica de tanques. Así permanecería en el olvido durante dos décadas.

Cuando su primo B.B. King llegó a Memphis en 1946, White contribuyó decisivamente para que su joven pariente se hiciera un hueco en la escena local. Además de presentarle a todos los músicos que conocía en la ciudad, le acogió en su casa, le compró una guitarra nueva y le buscó trabajo. Un detalle que el bueno de King no olvidaría jamás.

Pasaron muchos años hasta que en 1961 Bob Dylan grabó “Fixin´ To Die Blues” en su álbum de debut, y renació el interés por las históricas grabaciones que Bukka White había hecho en 1940. Sin que él lo supiera, sus viejos discos le habían convertido en un artista de culto.

Poco después, unos jóvenes guitarristas folk, John Fahey y ED Denson, comenzaron en serio su búsqueda. Basándose en uno de sus temas (“Aberdeen Mississipi Blues”), le enviaron una carta dirigida a: “Booker T. Washington White (antiguo cantante de blues). Lista de correos de Aberdeen (Mississippi)”. La carta llegó a un familiar de Bukka que conocía su dirección en Memphis y se la reenvió. Cuando finalmente el encuentro se produjo, Fahey y Denson se encontraron a un hombre sano, de cincuenta y pocos años y que seguía tocando la guitarra tan bien como en sus antiguos discos.

A finales de 1963 Bukka ya tenía un contrato de grabación con Arhoolie. Aunque seguía tocando algunos de sus viejos temas, su estilo había cambiado mucho y con frecuencia gustaba de hacer largas improvisaciones y de crear nuevas composiciones (vease "Sky Songs"). Fue el inicio de una nueva carrera para Bukka White que comenzó a actuar en los grandes escenarios estadounidenses y europeos. Demostró durante toda la década que tenía un gran sentido del espectáculo y un enorme talento como músico y narrador de historias, lo que le proporcionó una gran popularidad.

En 1967 participó también en una gira como parte del American Folk Blues Festival y al año siguiente cantó en los Juegos Olímpicos celebrados en Ciudad de México. En 1968 grabó para el sello Blue Horizon una serie de temas acompañado, por primera vez, por una pequeña banda de blues. El disco resultante se llamó “Memphis Hot Shots”.

Iniciando la nueva década, comenzó a tocar la guitarra eléctrica aunque, poco convencido del cambio, pronto desistiría y volvería a su vieja National de acero hasta el final de sus días. En 1973 grabó para Biograph su último disco y uno de sus mejores trabajos, recuperando el viejo estilo tradicional del Delta con “Big Daddy”. Ese mismo año compartiría escenario con B.B. King, un reencuentro muy emotivo para ambos

A mediados de la década de 1970 su salud comenzó a resentirse y su actividad musical decrecería irremediablemente. Finalmente murió de cáncer el 26 de febrero de 1977.

Artículo publicado en el número 20 de la revista "Palabra de Blues" (diciembre 2010)

DISCOGRAFÍA SELECCIONADA:

- Aberdeen Mississippi Blues
- The Complete Sessions 1930-1940
- Parchman Farm Blues
- The Sonet Blues Story
- 1963 isn´t 1962
- Sky Songs
- Memphis Hot Shots
- Big Daddy

"Parchman Farm Blues" (1940)

"Aberdeen Mississippi Blues" (1965)

"Red House"

2010-11-23T19:49:00.005+01:00

Cuando Jimi Hendrix aterrizó en Inglaterra en 1966 la intención era clara: convertirse en una estrella del rock, y lo consiguió. Se convirtió en un artista inmortal que aún hoy sigue vendiendo millones de discos en todo el mundo. Pero tras esa fachada de gran guitarrista se escondía un auténtico bluesman cuya tarea consistía en reinterpretar el eco de la tradición afroamericana, ofreciendo nuevas alternativas. El 13 de diciembre de aquel mismo año grabó en Londres su primer gran tema de blues, "Red House". Una auténtica obra maestra que explora las raíces del blues desde Robert Johnson hasta B.B. King, pasando por Hubert Sumlin o Elmore James. Cuando la casa roja llegó a mis oídos por primera vez, no conocía nada de blues ni sabía lo que significaba. A partir de entonces mi percepción musical cambiaría para siempre.

There´s a red house over yonder
that´s where my baby stays
Yeah, there´s a red house over yonder, baby
that´s where my baby stays
Well, I ain´t been home to see my baby
in about, uh, ninety nine and one half days
Long time to see her

So wait a minute, something´s wrong
the key won´t unlock this door
Wait a minute, something´s wrong, baby
the key won´t unlock the door
I got a bad, bad feelin´
that my baby don´t live here no more

She didn´t tell me nothin´ about it either
That´s alright, I still got my guitar
Look out, baby!

I might as well go on back down
go back ´cross yonder over the hill
I might as go back over yonder
way back over yonder ´cross the hill
That´s where I came from
Cause if my baby don´t love me no more
Oh, I know her sister will

CASA ROJA

Hay una casa roja allí a lo lejos
es donde vive mi chica
Sí, hay una casa roja allí a lo lejos, nena
es donde vive mi chica
No he estado en casa con mi chica
desde hace... unos noventa y nueve días y medio
Mucho tiempo sin verla

Espera un momento, ¿qué pasa aquí?
la llave no abre la puerta
Espera un momento, ¿qué pasa aquí, nena?
la llave no abre la puerta
Tengo un mal presentimiento
que mi chica se ha largado

Tampoco me dijo nada
Da igual, aún tengo mi guitarra
Cuidado, nena!

Pero también podría volver allí
volver a cruzar esa colina
También podría volver allí
volver a cruzar esa colina
Ahí es de donde vengo
Porque si mi chica ya no me quiere
Oh, sé que me querrá su hermana

Jimi Hendrix: voz, guitarra - Mitch Mitchell: batería - Noel Redding: bajo

"Call It Stormy Monday (But Tuesday Is Just As Bad)"

2010-11-08T22:04:00.002+01:00

1947 fue el año en que T-Bone Walker escribió y grabó su tema estrella por primera vez para Black & White Records. El single llegó al número 5 en las listas de R&B al año siguiente. Walker fue uno de los pioneros en introducir la guitarra eléctrica en el blues y éste fue uno de sus grandes éxitos. Posteriormente, en 1959, volvería a grabarlo en su álbum "T-Bone Blues" para Atlantic Records, aunque con unos arreglos diferentes. Con el tiempo, "Call It Stormy Monday" se convirtió en un estándar de blues, interpretado por infinidad de artistas como los Allman Brothers, James Cotton, Albert Collins, Elmore James, Albert King, Freddie King, Van Morrison, John Mayall, Junior Wells o B.B. King.

They call it stormy monday
but tuesday´s just as bad
They call it stormy monday
but tuesday´s just as bad
Wednesday´s worse
and thursday´s also sad

Yes, the eagle flies on friday
on saturday I go out and play
The eagle flies on friday
on saturday I go out and play
Sunday I go to church
then I kneel down and pray

Lord have mercy
Lord have mercy on me
Lord have mercy
my heart´s in misery
Crazy about my baby
Yes, send her back to me

LO LLAMAN LUNES DE TORMENTA

Lo llaman lunes de tormenta
pero el martes es igual de malo
Lo llaman lunes de tormenta
pero el martes es igual de malo
El miércoles es peor
y el jueves también es triste

Sí, el dinero vuela el viernes*
el sábado salgo a tocar
El dinero vuela el viernes*
el sábado salgo a tocar
El domingo voy a misa
me arrodillo y rezo

Señor ten piedad
Señor ten piedad de mí
Señor ten piedad
mi corazón está destrozado
Loco por mi chica
Sí, devuélvemela

*La traducción literal sería: "el águila vuela el viernes". Se refiere al águila impresa en los billetes de dólar.

Letra original y traducción extraídas del libro de Anki Toner: "Blues"

SKIP JAMES

2010-10-26T18:15:00.008+02:00

1902 - 1969

Voz, guitarra, piano.

Skip James es posiblemente el más extraño y complejo de todos los artistas de blues del Mississippi, pero es también, sin lugar a dudas, uno de los grandes. Su estilo es perfectamente reconocible. Solía tocar la guitarra afinada en re menor abierto y nunca recurriendo al uso del slide, pero lo que realmente marcaba la diferencia en su música era sobretodo su voz, con un registro muy potente y un falsete espectacular. Es el cantante más reconocible de cuantos ha producido este género musical.

Nehemiah Curtis James nació el 21 de junio de 1902 en la plantación Woodbine, cerca de Bentonia (Mississippi). Fue el único hijo de Phyllis James con Edward James, un contrabandista y guitarrista que pocos años después abandonaría a su familia a su suerte. Nehemiah creció con sus abuelos maternos hasta que se fue con su madre a Sidon cuando tenía 12 años.

Durante su juventud se mostró como un joven independiente y decidido llegando a escaparse de casa en más de una ocasión. Tuvo ciertos privilegios insólitos en aquella época como ir al instituto y no tener que trabajar en el campo recogiendo algodón, algo prácticamente inevitable para cualquier joven negro de su edad.

Pronto empezaría a tocar la guitarra y el piano, y con aproximadamente 18 años, ya ganaba pequeñas cantidades de dinero tocando en las calles en diversos lugares del Delta. De todos modos, como esta actividad no le reportaba grandes beneficios, se apuntó también a los juegos de cartas, a la venta de whisky o dedicándose al contrabando. Cuando tocaba reunía bastante público con su música, pero los beneficios no eran comparables con lo que ganaba vendiendo alcohol.

Poco tiempo después se casó con la hija de un sacerdote y se fue a vivir a Texas. Sin embargo ella acabaría abandonándolo por un veterano de la Primera Guerra Mundial. Este hecho fue un duro golpe para James que marcaría su personalidad en el futuro y que incluso se vería reflejado en las letras de algunas de sus composiciones.

En 1927 un cazador de talentos le ofreció la primera oportunidad de grabar pero finalmente la sesión nunca llegó a realizarse. Poco después se trasladó a Jackson y empezó a trabajar como profesor de música dando clases de guitarra, piano e incluso esporádicamente de violín.

James tenía casi treinta años cuando hizo por fin sus primeras grabaciones. Un buen día decidió visitar la tienda de H.C. Speir, en Jackson, quién quedó gratamente impresionado con su particular estilo y lo recomendó sin dudarlo a los responsables de Paramount Records.

En febrero de 1931 se organizaron las históricas grabaciones en Grafton (Wisconsin). En tan sólo dos días James grabó más material que ningún otro artista anterior para la compañía. Aunque solamente existen 18, fueron un total de 26 canciones las que se grabaron esos días, todos ellos temas propios en los que James alternaba la guitarra con el piano. A partir de este momento comenzaron a apodarlo artísticamente "Skip”, acortando de esta forma su apodo original “Skippy”.

James era un hombre orgulloso y celoso de su trabajo. No gustaba de tocar temas de otros y despreciaba a todos aquellos que intentaban copiar su estilo o composiciones. Así lo confirmaban sus declaraciones años más tarde: “no sigo las pautas de nadie ni imito a nadie, es sencillamente la música de Skip”.

Desgraciadamente James grabó en la peor época posible. En pleno estallido de la Gran Depresión en su país, su música pasó prácticamente desapercibida y James, desanimado y dolorido, decidió dejar de grabar. Se reencontró con su padre, ahora el reverendo E.D. James y decidió participar con él en su iglesia en Texas abandonando de este modo la vida de bluesman. En los años posteriores trabajó también como minero, conductor de tractor o leñador. Con el paso del tiempo, sin saberlo, comenzó a convertirse en un músico de culto entre los aficionados al blues y pronto su figura se convirtió en leyenda.

En 1964, en plena búsqueda de bluesmen olvidados, un grupo de yanquis (John Fahey, Bill Barth y Henry Vestine) encontraron finalmente a James en un hospital del condado de Tunica donde estaba hospitalizado a causa de un tumor que se le había diagnosticado recientemente.

Pocas semanas después Skip James hizo su reaparición pública con una breve actuación en el festival de Newport, en el que también participaron Son House, Sleepy John Estes, Fred McDowell o John Hurt. Demostró a los miles de sorprendidos espectadores que todavía estaba en plena forma, haciendo una actuación memorable.

A partir de entonces grabó una serie de discos de muy alto nivel: “Greatest Of The Delta Blues Singers”, “Devil Got My Woman” y sobretodo “Today!”.

Aunque en los últimos años de su vida gozó del reconocimiento del público internacional (llegó a participar incluso en el American Folk Blues Festival junto a muchos de sus contemporáneos), los mayores beneficios económicos le llegaron cuando Eric Clapton (con Cream) versionaron el tema “I´m So Glad”, que le reportó cierta estabilidad financiera y que le valió para hacer frente a los cada vez más elevados gastos médicos a los que debía hacer frente para tratar su grave enfermedad.

Finalmente, el 3 de octubre de 1969, el cáncer acabó con su vida. Se cerraría de esta forma el último capítulo de uno de los grandes creadores del blues del Delta.

Artículo publicado en el número 18 de la revista "Palabra de Blues" (octubre 2010)

DISCOGRAFÍA SELECCIONADA:

- The Complete Early Recordings
- Greatest Of The Delta Blues Singers
- Today!
- Devil Got My Woman
- Live: Boston 1964 & Philadelphia 1966

"Devil Got My Woman" (Newport 1966)

"Crow Jane" (1967)

"The Sky Is Crying"

2010-10-07T20:28:00.015+02:00

Escrita por Elmore James y grabada por primera vez en Chicago, en noviembre de 1959, constituye uno de los temas claves de su discografía. Aunque el bueno de Elmore será siempre recordado por su versión del clásico de Robert Johnson "Dust My Broom", lo cierto es que "The Sky Is Crying" se convirtió con el tiempo en uno de los temas más interpretados y versioneados por numerosos bluesmen a lo largo de la historia. Albert King, Freddie King, Hound Dog Taylor, Memphis Slim, George Thorogood, Eric Clapton o Stevie Ray Vaughan son algunos de los numerosos intérpretes que han convertido este tema en un auténtico clásico.

The sky is crying
look at the tears roll down the street
The sky is crying
look at the tears roll down the street
I´m waiting here looking for my baby
and I wonder where can she be

I saw my baby one morning
and she was walkin´ on down the street
I saw my baby one morning
yes she was walkin´ on down the street
Made me feel so good
until my poor heart would skip a beat

I got a bad feeling
my baby my baby don´t love me no more
I got a bad feeling
my baby don´t love me no more
Now the sky´s been crying
the tears rolling out my door

EL CIELO ESTÁ LLORANDO

El cielo está llorando
mira cómo bajan las lágrimas por la calle
El cielo está llorando
mira cómo bajan las lágrimas por la calle
Estoy aquí esperando a mi chica
y me pregunto dónde puede estar

Vi a mi chica una mañana
andando por la calle
Vi a mi chica una mañana
sí, andando por la calle
Me hizo sentir tan bien
que me dio taquicardia

Tengo un mal presentimiento
mi chica, mi chica ya no me quiere
Tengo un mal presentimiento
mi chica ya no me quiere
El cielo ha estado llorando
las lágrimas salen por mi puerta

Elmore James v/g; J.T. Brown, Boyd Atkins, ts; Johnny Jones, p; Homesick James, g; Odie Payne o Sam Myers, b.

Letra original y traducción extraídas del libro de Anki Toner: "Blues"

JOHN LEE "SONNY BOY" WILLIAMSON

2010-09-20T21:16:00.005+02:00

1914 - 1948

Voz, armónica.

Hablar de John Lee "Sonny Boy" Williamson es hablar de uno de los más grandes de la historia del blues. Armonicista innovador y magnífico compositor, fue uno de los primeros en rodearse de una banda de acompañamiento y uno de los primeros que hizo la transición al blues urbano. Estamos pues ante una figura clave en lo que posteriormente se llamó el blues de Chicago.

Hijo de granjeros, John Lee nació el 30 de marzo de 1914 en Jackson (Tennessee). Aprendió a tocar la armónica en solitario y empezó, desde muy pequeño, a actuar de animador en los espectáculos itinerantes de vodevil, donde se ganó el famoso apodo de Sonny Boy. Sus ídolos de la infancia fueron Sleepy John Estes y su armonicista Hammie Nixon, al que idolatraba. Consiguió finalmente unirse a su círculo más cercano y trató de aprender todo lo que pudo de ambos, durante el tiempo que permanecieron juntos. A pesar de sufrir un defecto en la pronunciación, que le obligó a buscar su propia técnica vocal, se convirtió además en un buen cantante.

En 1934 se trasladó a Sant Louis y allí colaboró con gente como Walter Davis, Henry Townsend o Big Joe Williams. Poco después se fue a Chicago y pronto comenzó a recorrer todos los clubes de la ciudad con la intención de darse a conocer y respetar. En 1937 hizo sus primeras grabaciones para el sello Bluebird. "Good Morning, Little Schoolgirl" obtuvo un éxito considerable y se convirtió en uno de los músicos favoritos del público negro.

A partir de 1939 creó una banda mucho más grande con guitarra eléctrica, piano, bajo y batería. Toda una novedad para la época. Con él trabajaron asiduamente nombres como Big Bill Broonzy, Big Joe Williams o Robert Nighthawk. Aparecía de esta forma, cada vez con más fuerza, una música nueva llena de entusiasmo y potencia: el blues eléctrico de Chicago.

Hasta 1947 grabaría más de 120 temas, todos ellos siempre para Bluebird. "Shake The Boogie", "Sloppy Drunk", "Early In The Morning", "Decoration Blues", "Tell Me Baby" o "Hoodoo Hoodoo" son algunos ejemplos de los grandes títulos de su discografía. La supremacía de Sonny Boy en el blues de posguerra fue tan grande que comenzaron a lloverle imitadores por doquier. El más famoso de ellos, por supuesto, Aleck "Rice" Miller (Sonny Boy Williamson II) al que, cuenta la leyenda, John Lee persiguió con una pistola para ajustar cuentas con él. Afortunadamente nunca lo encontró.

Su influencia en generaciones posteriores es incalculable. Sonny Boy guió los primeros pasos de gente como Muddy Waters y dio lecciones de armónica a Little Walter, Snooky Pryor, Junior Wells o Billy Boy Arnold.

Como solía pasar con este tipo de artistas en aquellos tiempos, John Lee era muy aficionado a la bebida pero además era un provocador y mujeriego. Durante sus actuaciones, solía buscar entre el público femenino a las mujeres más guapas e iniciaba su particular show de tonteo. Esto daba lugar con frecuencia a peleas que en ocasiones se volvían muy violentas.

El 1 de junio de 1948 tras una actuación en el club Plantation, Sonny Boy volvió a su casa muy bebido. El marido de una de las mujeres a las que había "cortejado" durante su espectáculo, lo siguió. Dicho marido celoso se enfrentó a él y finalmente acabaría con su vida, atravesándole la cabeza con un punzón para picar hielo. Era el triste final de la carrera de uno de los más grandes creadores de la historia del blues.

Artículo publicado en el número 19 de la revista "Palabra de Blues" (noviembre 2010)

DISCOGRAFÍA SELECCIONADA:

- Complete Recorded Works (Vols. 1-5)
- Sugar Mama
- The Bluebird Blues
- The Later Years 1939-1947
- The Blues: Chicago 1937-1945

"Jackson Blues" (1937)

"Million Years Blues" (1941)

CHARLEY PATTON

2010-08-27T11:09:00.002+02:00

1891 - 1934

Voz, guitarra.

Charley Patton definió lo que era un auténtico bluesman: bebedor, fumador y mujeriego. Estuvo en la cárcel al menos una vez. Viajaba mucho y nunca se quedaba demasiado tiempo en un mismo sitio. Era supersticioso, engreído y fanfarrón. Pero Patton fue también el rey indiscutible del blues del Delta desde el instante en que se dio a conocer hasta su muerte. Aunque Blind Lemon Jefferson fue el primer artista negro masculino en grabar en solitario los primeros blues y conseguir cierto éxito, la verdad es que Charley Patton bien podría ser considerado el fundador del auténtico blues del Delta del Mississippi.

La mayor parte de la vida de este mítico artista es un completo misterio. Ni siquiera su fecha de nacimiento está demasiado clara. Algunos biógrafos apuntan al año 1887, aunque la mayoría parece inclinarse por abril de 1891, entre Bolton y Edwards (Mississippi). Parece confirmado también que tenía antepasados indios, de ahí su color de piel más pálida que el resto de sus contemporáneos. Sus padres tuvieron doce hijos, siete de los cuales murieron siendo niños. La unidad familiar era estable bajo una educación muy estricta y religiosa.

Para escapar del duro trabajo en las plantaciones, se hizo músico itinerante tocando todo tipo de estilos para negros o blancos. Siempre tuvo problemas con la policía que no apreciaban demasiado las cualidades de aquel “negro malo” que trataba siempre de escabullirse de sus obligaciones y del trabajo en la plantación donde vivía.

A pesar de que su corta estatura y su apariencia física parecían demostrar lo contrario, tenía una voz potente, tosca y gruesa. Su guitarra sonaba cruda y tocada con frecuencia con slide o utilizándola como instrumento de percusión. Era además un auténtico showman. Tocaba la guitarra entre las rodillas, detrás de la espalda, entre las piernas o revolcándose por el suelo haciendo muecas. Su carisma y sus espectáculos le valieron desde muy joven un gran renombre entre los negros.

Sus letras no sólo hablaban de las típicas historias de amor y desamor, sino que también se extendían a otros temas poco frecuentes como la moralidad, el encarcelamiento, la muerte o sucesos muy impactantes de la época como incendios o inundaciones.

El comerciante convertido a cazador de talentos H.C. Speir (descubridor entre otros de Robert Johnson) recibió una carta de Patton y decidió ir en su busca. Finalmente le encontró y convenció para que grabase una sesión para Paramount Records. Le organizó un viaje de mil doscientos kilómetros entre Jackson y Richmond (Indiana) donde se realizó su primera grabación, el 14 de junio de 1929.

El éxito de esta sesión no se hizo esperar. A partir de entonces, consiguió mejorar su vida de forma considerable, gracias a su nuevo status de artista con discos grabados. En el reducido mundo del Delta disfrutó de ciertos privilegios (dinero, mujeres y libertad) a los que muy pocos afroamericanos podían aspirar en aquella época y en aquel lugar.

A pesar de que la Gran Depresión paralizaría casi por completo la industria discográfica, Patton grabó entre 1929 y 1934 más de setenta títulos para Paramount y Vocalion, que constituyen una de las bases más sólidas del primer blues del Delta. Muchos de estos temas como “Pony Blues”, “Spoonful Blues”, “Rooster Blues” o “Down The Dirt Road” se convirtieron en clásicos interpretados todavía en la actualidad.

Su importancia en la historia del blues es inmensa. Su influencia fue clave en artistas como Robert Johnson o Son House, pero también entre muchos de los creadores del blues eléctrico de Chicago como Howlin´ Wolf o Muddy Waters.

A pesar de que todavía era una persona relativamente joven, durante sus últimos meses de vida su salud empeoró notablemente. Fallecería víctima de un infarto, el 28 de abril de 1934.

Artículo publicado en el número 1 de la revista "Cultura Blues" (Junio 2011).

DISCOGRAFÍA SELECCIONADA:

- Founder Of The Delta Blues
- Complete Recordings 1929-1934
- Screamin´ And Hollerin´ The Blues
- The Definitive Charley Patton
- The Best Of Charley Patton

"Spoonful Blues"

"Moon Going Down"

AMERICAN FOLK BLUES FESTIVAL

2010-08-10T19:44:00.000+02:00

Desde comienzos de los años sesenta el denominado "American Folk Blues Festival" trajo a Europa a la mayoría de los grandes bluesmen americanos que tanta admiración despertaban entre los músicos y aficionados del viejo continente. La importancia de estos míticos festivales es innegable: abrió el blues a Europa y creó un mercado imparable que en poco tiempo superó en ventas al estadounidense. Marcó al joven público europeo que aprovecharía al máximo esta experiencia hasta entonces casi desconocida para ellos y transformó el panorama musical del viejo continente para siempre.

A finales de los años cincuenta, el desconocimiento del blues por parte del público europeo era generalizado. Mientras en las grandes ciudades americanas el éxito de Muddy Waters, Howlin´ Wolf, Little Walter o John Lee Hooker era considerable, en Europa era prácticamente imposible encontrar una buena selección de discos de blues.

Dos alemanes, Horst Lippmann y Fritz Rau, decidieron entonces organizar un espectáculo de blues en vivo con la intención de hacerlo circular por Europa occidental. En 1962 se inició la andadura y el éxito fue considerable, tanto para la crítica en general, como entre los amantes del jazz y el público más joven apasionado del rock and roll, que descubrieron en este festival una de las principales raíces de su música. A partir de entonces el AFBF se convirtió en una visita anual de forma ininterrumpida hasta 1972.

En los años 2003 y 2004 fueron publicados 3 extraordinarios dvds que recogen algunos de los mejores momentos de aquellas históricas actuaciones.

VOLUME 1 (1962-1966):
- Call Me When You Need Me (T-Bone Walker)
- Hootin' Blues (Sonny Terry & Brownie McGhee)
- The Blues Is Everywhere (Memphis Slim)
- I Can't Quit You Baby (Otis Rush)
- Another Night to Cry (Lonnie Johnson)
- Women Be Wise (Sippie Wallace)
- Hobo Blues (John Lee Hooker)
- Five Long Years (Eddie Boyd)
- Shakey's Blues (Walter 'Shakey' Horton)
- Hoodoo Man Blues (Junior Wells)
- Mean Stepfather (Big Joe Williams)
- Going Down to the River (Mississippi Fred McDowell)
- Weak Brain and Narrow Mind (Willie Dixon)
- Nine Below Zero (Sonny Boy Williamson II)
- Spann's Blues (Otis Spann)
- Got My Mojo Working (Muddy Waters)
- Bye Bye Blues (Muddy Waters, Sonny Boy Williamson, Memphis Slim, Willie Dixon)
Bonus:
- Walking the Floor Over You / Off the Hook (Earl Hooker)

MISSISSIPPI FRED McDOWELL

VOLUME 2 (1962-1966):
- Bye Bye Bird / My Younger Days (Sonny Boy Williamson II)
- Come On Home Baby (Sunnyland Slim)
- Nervous (Willie Dixon)
- Mojo Hand (Lightnin' Hopkins)
- Black Snake Blues (Victoria Spivey)
- Everyday I Have the Blues (Memphis Slim)
- Don't Throw Your Love on Me so Strong (T-Bone Walker)
- Tall Heavy Mama (Roosevelt Sykes)
- Sittin' and Cryin' the Blues (Willie Dixon)
- Murphy's Boogie (Matt "Guitar" Murphy)
- Stranger Blues (Sonny Terry & Brownie McGhee)
- Shake for Me / I'll Be Back Someday / Love Me Darlin (Howlin' Wolf)
- Down Home Shakedown (Big Mama Thornton)
Bonus:
- All Your Love / Magic Sam's Boogie (Magic Sam)

T-BONE WALKER

VOLUME 3 (1962-1969):
- Hound Dog (Big Mama Thornton)
- Gulfport Boogie (Roosevelt Sykes)
- Out of Sight (Buddy Guy)
- Feel So Good (Dr. Isaiah Ross)
- Flip, Flop & Fly (Joe Turner)
- All Night Long / Crow Jane (Skip James)
- Got Sick & Tired (Bukka White)
- Death Letter Blues (Son House)
- Wild About You (Hound Dog Taylor con Little Walter)
- Wang Dang Doodle (Koko Taylor con Little Walter)
- Stranger Blues / Burnt Child (Afraid of Fire)
- Move Across the River (Sonny Terry & Brownie McGhee)
- The Blues Ain't Nothin' But a Woman (Helen Humes)
Bonus:
- Earl's Boogie (Earl Hooker)
- Long Distance Call / I Got My Mojo Working (Muddy Waters)

HOUND DOG TAYLOR & LITTLE WALTER

LITTLE WALTER

2010-07-19T17:22:00.011+02:00

1930 - 1968

Voz, armónica, guitarra.

Little Walter es probablemente el armonicista más importante de la historia. Muy pocos se le pueden comparar en cuanto a técnica y ninguno en cuanto a capacidad de innovación. Llevó la armónica blues hacia una nueva etapa, intentando reproducir los sonidos de los saxofonistas de jazz y utilizando las posibilidades de la amplificación eléctrica. Por si esto no fuese suficiente, era además un buen cantante y compositor, creador de numerosos blues que se han convertido en clásicos del género.

Marion Walter Jacobs nació en mayo de 1930 en Marksville (Louisiana). A los doce años ya se había ido de casa y vagabundeaba tocando por las esquinas de Nueva Orleans. Pasó posteriormente por Helena, Sant Louis y Memphis hasta llegar a Chicago en 1946. Durante todo este trayecto fue aprendiendo todo tipo de trucos de gente como Sonny Boy Williamson II, Leroy Foster o Snooky Pryor.

Hacia 1947 se asoció con Muddy Waters y juntos se hicieron muy populares en el gueto del South Side de Chicago. Era una época en la que Walter alternaba la armónica con la guitarra, aprovechando al máximo las posibilidades que la amplificación eléctrica les proporcionaba en cualquier lugar en el que actuasen. A pesar del éxito del que gozaban, Chess Records (la compañía de discos de Muddy) era reticente en cuanto a incluir a Walter en las grabaciones de su joven promesa. De este modo tuvo que conformarse con algunas grabaciones para diversos sellos muy pequeños de la zona. Por fin, en 1950 accedieron a que grabasen juntos y Little Walter entró con pleno derecho a formar parte de aquella mítica Muddy Waters Blues Band junto a Jimmy Rogers y Otis Spann. Aquella formación todavía hoy para muchos es considerada como la mejor banda de blues de la historia.

Curiosamente y para aprovechar el final de una sesión con Muddy en el estudio, Chess decidió grabarle un instrumental el cual titularon “Juke”. Este single se publicó por primera vez bajo el nombre de Little Walter y la gente comenzó a alucinar con aquel descarado joven. Su intensidad con la armónica era totalmente novedosa. Nadie había tocado nunca con esa fuerza. En poco tiempo, “Juke” alcanzó el número uno de las listas de R & B.

Entusiasmado con el éxito conseguido, decide emprender la aventura en solitario aunque, por exigencias de la discográfica, seguiría tocando en las grabaciones de estudio de Muddy Waters unos cuantos años más. Su primer grupo estaba formado por los hermanos Myers y el batería Fred Bellow, integrantes todos ellos de The Aces, la banda de Junior Wells (que ocuparía su lugar en la formación de Muddy).

Antes de acabar la década, Walter tenía una larga lista de obras maestras y ya sumaba catorce títulos en el Top-10, alcanzando un éxito comercial que nunca lograron otras estrellas del género como Hownlin´ Wolf, Sonny Boy Williamson II o el propio Muddy Waters. “My Babe”, “Mean Old World”, “Blues With A Feeling”, “Confessin´ The Blues” o “Too Late” son algunos ejemplos que se convirtieron en clásicos absolutos de la historia del blues. Chess no salía de su asombro: aquel joven al que en un principio habían negado su entrada en el estudio, ahora se había convertido en su artista más rentable.

Little Walter era un líder muy duro y exigente. Quería alcanzar un nivel de perfección que plasmó en sus obras, con unos resultados igualados en muy pocas ocasiones. Sin embargo tenía dos grandes defectos: era una persona alcohólica y tenía un carácter difícil de soportar. El enorme éxito del que disfrutó no consiguió cambiarlo y tuvo muchos problemas durante toda su vida tanto entre la gente que lo rodeaba, como por las muchas deudas que a menudo acumulaba. Violento, arrogante y vanidoso, intentaba engañar y robar constantemente a los demás. A finales de los años cincuenta estos problemas, sumados a las agotadoras giras que llevaba a cabo por todo el país, empezaron a dejar huella irremediablemente en su música.

A partir de 1960 actuó cada vez menos y sólo grabó esporádicamente. A pesar de todo, aunque su popularidad había disminuido en los Estados Unidos, idolatrado por los amantes del jazz europeos, entre 1964 y 1967 realizó dos exitosas giras por Europa, una de ellas acompañando incluso por Inglaterra a los Rolling Stones.

Lamentablemente, a finales de 1967, sus últimas apariciones en público no estuvieron a la altura de su reputación, cuando su impertinencia causaron el desconcierto entre sus admiradores. Su tendencia a meterse en líos acabó trágicamente con su vida al fallecer de una trombosis cerebral a causa de las heridas que le causaron en una pelea callejera. Fue en Chicago, el 15 de febrero de 1968.

Recientemente, en el año 2008, la figura de Little Walter entró a formar parte del Rock And Roll Hall Of Fame, siendo el único artista en ser inducido específicamente por su trabajo como intérprete de armónica.

DISCOGRAFÍA SELECCIONADA:

- The Complete Chess Masters: 1950-1967
- The Chess Years: 1952-1963
- Essential
- His Best
- Blues With A Feeling
- Confessin´ The Blues

"My Babe"

"Blues With A Feeling"

STEVIE RAY VAUGHAN

2010-07-10T21:40:00.010+02:00

1954 - 1990

Voz, guitarra.

Si alguna vez hubo alguien que pudo hacer peligrar el trono de Jimi Hendrix como mejor guitarrista de la historia, ese alguien bien pudo ser Stevie Ray Vaughan, guitarrista y cantante tejano que, con un estilo blues/rock agresivo y directo, reinó en los años ochenta con su instrumento, hasta que un fatal accidente acabó de repente con su vida en 1990.

Steven Ray Vaughan nació el 3 de octubre de 1954 en Dallas, Texas. Sus padres, grandes aficionados a la música, fueron inculcándole poco a poco esa afición a su hijo hasta convertirlo en algo fundamental en su vida. Tomó sus primeras clases de su hermano mayor Jimmie y comenzó a desarrollar su propio estilo sin aprender jamás a leer música de una partitura. Desde muy joven, comenzó a tocar de manera semi-amateur hasta que, alrededor de los 17 años, deja los estudios para trasladarse a Austin con la clara intención de dedicarse de manera definitiva a la música.

Desde comienzos de 1972 formó parte de varios grupos: "Blackbirds", "The Nightcrawlers", "The Cobras" (con la que hizo sus primeras grabaciones) y "Triple Threat Revue". Con esta última trabajó finalmente durante más de dos años hasta que en 1977 formó la definitiva "Double Trouble", con Chris Layton a la batería y Jackie Newhouse al bajo (poco después sustituido por Tommy Shannon con el cual quedaría formada la alineación definitiva). Esta formación definió un perfil musical claro: un blues duro, eléctrico y rítmico, muy próximo al rock, que los identificaría rápidamente.

En 1982, cuando aun eran unos completos desconocidos para el gran público, ya que ni siquiera tenían un disco publicado en el mercado, fueron invitados para actuar en el prestigioso Festival de Jazz de Montreux. Esta fecha fue decisiva en su carrera ya que, aunque la actuación no acabó de conectar con el público asistente, las críticas de la época fueron inmejorables. Esta actuación daría lugar años más tarde a un increíble disco en directo de SRV: "Live At Montreux".

A partir de este momento comenzó su vertiginoso ascenso hacia el estrelato: participa en un disco de David Bowie y firma por fin un contrato para futuras grabaciones en Epic Records. De esta forma, en 1983, se publicó su primer disco, "Texas Flood". El éxito no se hizo esperar: disco de oro, nominación para los Grammys y premios de la revista "Guitar Player" como mejor nuevo talento, mejor álbum y mejor guitarrista de blues.

Un año después publica su segundo trabajo, "Couldn´t Stand The Weather", donde incluye la famosa versión del clásico de Jimi Hendrix "Voodoo Chile (Slight Return)". Con este álbum repite el éxito del anterior y recoge más premios, entre ellos dos National Blues Award como mejor showman y mejor instrumentista de blues, convirtiéndose en la primera persona blanca en ganar cualquiera de estos premios.

En octubre de ese mismo año hace realidad uno de sus sueños, actuar en el Carnegie Hall de New York con motivo de su 30 cumpleaños. Allí contó con la colaboración de gente como el pianista Dr. John, la cantante Angela Strehli o su propio hermano Jimmie. Esta grabación dio lugar también años más tarde a otro excelente disco en directo: "Live At Carnigie Hall".

"Soul To Soul", el tercer álbum de la banda, fue publicado en 1985 e incorporaba una importante novedad: la inclusión en el grupo de un teclista, Reese Wynans. En el disco se aprecia ya una notable madurez en el estilo de Stevie que mantuvo intacto su status de mejor guitarrista del planeta. Sus giras recorrían ya todo el mundo incluyendo por supuesto Europa o Japón.

Casi inevitablemente los problemas también comenzaron a surgir. El vertiginoso ritmo de vida que llevaba en esa época y una fuerte adicción a la cocaína y el alcohol, le obligaron a mediados de 1986 a ser internado en un centro de rehabilitación donde permaneció casi un año. A causa de este parón en su actividad, Epic publicó "Live Alive", un doble disco en vivo que no hacía justicia al nivel que realmente conseguía la banda en sus actuaciones en directo.

En la primavera de 1987 aparece de nuevo en escena participando en shows de otros artistas, grabando un pequeño set acústico para la cadena MTV o colaborando en alguna película como "Back To The Beach".

Poco a poco Stevie y la Double Trouble comenzaron a ponerse en forma de nuevo y su regreso a los estudios de grabación fue demoledor ya que en 1989 grabaron, en mi opinión, su mejor álbum: "In Step". Este flamante nuevo trabajo ganó indiscutiblemente el premio Grammy como mejor disco de blues del año.

El 27 de agosto de 1990 llegó la tragedia. Después de participar en un recital de blues en Wisconsin, junto a Eric Clapton, Buddy Guy, Robert Cray o Jimmie Vaughan, el helicóptero que lo llevaba de vuelta a Chicago se estrelló en las montañas poco después del despegue, a causa de la niebla. Los cinco pasajeros que iban a bordo fueron encontrados días más tarde. Todos habían muerto instantáneamente, entre ellos estaba Stevie Ray Vaughan.

A partir de ese momento en los años posteriores comenzaron a sucederse múltiples homenajes y álbumes póstumos. El primero fue "Family Style", el álbum en el que estaba trabajando junto a su hermano Jimmie poco antes de su desaparición. De estos álbumes, el recopilatorio de temas inéditos "The Sky Is Crying", una grabación en vivo de comenzos de su carrera "In The Beginning", o los ya comentados discos en directo son probablemente los más destacados de uno de los grandes guitarristas y compositores de blues que conoció este mundo.

DISCOGRAFÍA SELECCIONADA:

- Texas Flood
- Couldn´t Stand The Weather
- Soul To Soul
- In Step
- The Sky Is Crying
- In The Beginning
- Live At Carnegie Hall
- Live At Montreux 1982 & 1985
- SRV (Box Set)

"Texas Flood" (en directo)

"Pride And Joy" (en directo en Montreux 1985)

"Sings Big Bill"

2010-06-27T14:37:00.004+02:00

En el verano de 1959 Chess Records tuvo una brillante idea: Muddy Waters debía rendir tributo al cantante y guitarrista Big Bill Broonzy, que había fallecido apenas un año antes. El resultado se plasmó en este álbum que, en mi opinión, bien podría ser considerado el mejor disco de toda su carrera.

1959 no estaba siendo el mejor año para el bueno de Muddy. Su fábrica de éxitos y su popularidad estaban decreciendo y sus sesiones de grabación eran cada vez más esporádicas. Sin embargo, quizá motivado por sus recientes viajes a Europa y con la idea de grabar todo un disco homenaje a su amigo Broonzy, en junio de ese mismo año realizó unas sesiones de grabación absolutamente inolvidables.

En este disco Muddy Waters canta como nunca y en todo el álbum se respira un feeling extraordinario. Contó además con la participación de su banda al completo, una de las mejores formaciones de toda su carrera: James Cotton (armónica), Otis Spann (piano), Pat Hare (guitarra), Andrew Stephenson (bajo) y Francis Clay o Willie "Big Eyes" Smith (batería).

Tras diez años de reinado incontestable, ésta fue la carta de presentación de Muddy Waters para la nueva década. Brillante y genial.

01 - Tell Me Baby
02 - Southbound Train
03 - When I Get to Thinking
04 - Just a dream (On My Mind)
05 - Double Trouble
06 - I Feel So Good
07 - I Done Got Wise
08 - Mopper's Blues
09 - Lonesome Road Blues
10 - Hey, Hey

JUNIOR WELLS

2010-06-17T15:43:00.016+02:00

1934 - 1998

Voz, armónica.

Amos Blackmore Wells fue uno de los grandes intérpretes y armonicistas de la historia del blues y uno de los músicos más representativos del blues de Chicago. Tras su apariencia de tipo duro se escondía una figura que junto a Buddy Guy es clave para entender la evolución del género sobre todo en los años sesenta y setenta.

Junior Wells nació en Memphis en diciembre de 1934. Allí creció rodeado de una cultura musical en pleno auge y que le valió para empaparse del sonido de gente tan mítica como Howlin Wolf o el propio B.B. King.

 En 1948 se trasladó a Chicago en busca de mejores experiencias, convencido de que la música iba a ser su vida. Allí comenzó a colaborar con gente como Tampa Red, Big Maceo o Sunnyland Slim. Después tocó con The Aces junto a los hermanos Myers y al batería Fred Below.  

Su primera grabación puede considerarse como histórica cuando en 1952, y con tan sólo 19 años, sustituyó a Little Walter en la banda de Muddy Waters en una sesión para Chess Records. Después de este prometedor debut, entre 1953 y 1957 grabaría varios temas para pequeños sellos de la zona como States, Chief o Profile Records.

  A finales de los años cincuenta dejó temporalmente la armónica y se rodeó de una banda más grande típica de la época, dedicándose casi exclusivamente a cantar y componer temas propios. De esta manera, entre los años 1960 y 1963 grabaría algunos de sus mejores éxitos: "Come On In This House", "Little By Little" y el clásico "Messin´ With The Kid".

  En 1965 vuelve a hacerse cargo de la armónica solista y publica por fin para el sello Delmark su primer LP, "Hoodoo Man Blues", que contó con la colaboración inestimable de Buddy Guy, convirtiéndose en poco tiempo en una auténtica joya del blues de Chicago y en uno de los discos más representativos de su carrera. A partir de ese momento su asociación con Guy será casi constante, trabajando juntos muchos años y convirtiéndose en uno de los pilares del llamado South Side de Chicago.

  A finales de la década de los sesenta alarmó a los puristas cuando comenzó a imitar a James Brown (el artista más de moda en aquella época entre el público negro) grabando algunos excelentes discos de soul-blues como "Coming At You" y sobre todo "You´re Tuff Enough". De vuelta a Delmark graba otro de sus mejores trabajos, "Southside Blues Jam", un disco relajado con el que retoma la esencia más pura del blues.  

Durante los años setenta continuaría su asociación con Buddy Guy haciendo giras de gran éxito y actuando juntos por gran parte del mundo, incluso como teloneros de los propios Rolling Stones. En aquellos tiempos el dúo grabó también varios discos como el celebrado "Buddy Guy & Junior Wells Play The Blues", "Goin´ Back" ("Alone & Acoustic" en el formato cd) y "Drinkin´ TNT ´N´ Smokin´ Dynamite" grabado en directo en el festival de Montreux en 1974 y publicado posteriormente en 1982. Junior Wells nunca olvidó sus raíces y compaginaba estas giras con actuaciones con su propia banda, en el mítico club Theresa´s Lounge de Chicago.  

En los años ochenta tuvo un período de inactividad pero Junior Wells vio como su carrera recuperaba fuerza nuevamente, tras su brillante participación en 1990 en el álbum "Harp Attack!" para Alligator Records, junto a otros maestros del instrumento como Billy Branch, Carey Bell y James Cotton.  

Su obra a partir de entonces ya no sería la misma. Rodeado de un panorama musical excesivamente comercializado debido a un nuevo renacimiento del género, sus trabajos al lado de músicos famosos fueron muy inconsistentes y alejados de su estilo natural. A pesar de todo, en 1996, nos regaló su última obra maestra, "Come On In This House", que ganaría el premio W.C. Handy como mejor grabación de blues tradicional de ese año.  

Junior Wells continuó en activo casi hasta su muerte, víctima de un cáncer linfático, el 15 de enero de 1998.

DISCOGRAFÍA SELECCIONADA:

- Blues Hit Big Town

- Hoodoo Man Blues
- It´s My Life, Baby
- Coming At You
- You´re Tuff Enough
- Southside Blues Jam
- Buddy Guy & Junior Wells Play The Blues
- On Tap
- Pleading The Blues
- Drinkin´ TNT ´N´ Smokin´ Dynamite
- Come On In This House

"Hoodoo Man Blues" (en directo 1966)

"Messin´ With The Kid" (en directo con Buddy Guy 1974)

"Hard Again"

2010-05-27T16:53:00.012+02:00

Con más de treinta años de carrera, Muddy Waters renacería de sus cenizas en 1977 con la publicación de "Hard Again", un disco mágico que recupera el feeling y el sonido que lo habían convertido en los años cincuenta en el rey indiscutible del blues de Chicago.

A finales de la década de los setenta y con más de sesenta años de edad, la figura de Muddy Waters era considerada como una leyenda del pasado y parecía estar casi olvidada para siempre. Johnny Winter, uno de sus seguidores incondicionales, no era de esta opinión. De hecho se convertiría en el motor principal de su resurgimiento y aprovechando la creación de su nuevo sello discográfico Blue Sky, convenció a sus ejecutivos para fichar a Muddy y poder producir y dirigir este álbum, el primero de una serie de cuatro discos tan inspirada como imprescindible.

  Desde el mismo título ya queda clara toda una declaración de intenciones: "con fuerza otra vez". En la grabación, a finales de 1976, se contó además con la participación de una banda de auténtico lujo: James Cotton en la armónica, Pinetop Perkins al piano, Bob Margolin a la guitarra, Charles Calmese al bajo, Willie "Big Eyes" Smith en la batería y el propio Johnny Winter con la guitarra. Sin comentarios.

  El disco no tiene desperdicio y cuenta con revisiones de viejos clásicos como "Mannish Boy" o "I Can´t Be Satisfied" y la inclusión de nuevas composiciones como "Deep Down In Florida". El álbum consiguió un notable éxito de crítica y público, ganando un premio Grammy como mejor grabación étnica o tradicional.  

Si te gusta la música de Muddy Waters pero nunca escuchaste este disco, no lo dudes, seguro que no te defraudará.

01 - Mannish Boy
02 - Bus Driver
03 - I Want to be Loved
04 - Jealous Hearted Man
05 - I Can´t Be Satisfied
06 - The Blues Had a Baby and They Named It Rock And Roll
07 - Deep Down in Florida
08 - Crosseyed Cat
09 - Little Girl
10 - Walking Throught the Park*
* Tema extra solamente incluído en la reedición en cd.

"Live At The Regal"

2010-05-10T18:37:00.002+02:00

"Live At The Regal" sigue siendo para muchos el mejor disco de blues grabado en directo de la historia.

En 1962 B.B. King decidió dar una vuelta de tuerca a su carrera fichando por ABC-Paramount con la esperanza de salir del circuito tan reducido en el que se llevaba moviendo durante más de una década. Dos años más tarde (en noviembre de 1964) en el teatro Regal de Chicago, grabó este clásico absoluto de su discografía y de la historia del género.  

Desde el primero hasta el último tema podemos escuchar a un B.B. King en estado puro, manejando al público y ejecutando con maestría una actuación mítica.

Si tuviera que elegir un solo disco de su larga producción, sin duda "Live At The Regal" sería el escogido. Imprescindible.

01 - Every Day I Have the Blues
02 - Sweet Little Angel
03 - It's My Own Fault
04 - How Blue Can You Get?
05 - Please Love Me
06 - You Upset Me Baby
07 - Worry, Worry
08 - Woke Up This Morning (My Baby's Gone)
09 - You Done Lost Your Good Thing Now
10 - Help the Poor

FREDDIE KING

2010-03-18T20:55:00.003+01:00

1934 - 1976

Voz, guitarra.

Freddie (o Freddy según la época) King es, junto a B.B. y Albert, el más joven de los tres King de la historia del blues, siendo el único de los tres que no nació en el Mississippi. Freddie King era un fenómeno de la naturaleza. Verlo en directo era todo un acontecimiento. Aunque el blues no estaba de moda cuando vivía, muchos curiosos que se acercaron a uno de sus conciertos y pudieron verlo actuar, son desde entonces amantes incondicionales del blues.

Freddie King nació en Gilmer (Texas) en septiembre de 1934. Como tantos otros vivió una infancia de pobreza en los campos de algodón. Tuvo la gran suerte de que sus padres eran grandes amantes de la música y fueron ellos los que le contagiaron su pasión por gente como T-Bone Walker. Después de un encuentro con Lightnin´ Hopkins, su estusiasmo fue tal que Freddie decidió convertirse en músico.  

En 1950 emigró a Chicago y comenzó a trabajar en una siderúrgica a los diecisiete años. Allí se mezcló con el panorama musical de la ciudad y colaboró con gente como Eddie Taylor, Robert Jr. Lockwood, Jimmy Rogers e incluso con el propio Howlin´ Wolf.  

En 1958, junto a Luther Allison, grabó su primer single. Sus señas de identidad parecían estar ya claras: torrentes de notas llenos de energía al puro estilo tejano pero conservando una línea melódica clara, gracias a la potencia de la percusión del blues de Chicago.  

En 1960 Freddie fue fichado por el sello independiente King Records. La cosa funcionó porque un instrumental que grabó para ellos en 1961 titulado "Hide Away" tuvo un éxito considerable, convirtiéndose no sólo en el tema insignia de sus conciertos sino en uno de los instrumentales más emblemáticos del género. Junto a este tema, otros instrumentales como "Sen-Sa-Shun", "The Stumble" o "San-Ho-Zay" obtuvieron también una buena acogida en las listas de música popular estadounidense. Estos y otros temas, todos ellos instrumentales, estuvieron incluidos en su primer larga duración "Let´s Hide Away And Dance Away With Freddy King", sin duda un disco clave no sólo en su discografía sino también un punto de referencia para músicos y amantes del blues. A partir de ese momento, King alternó temas cantados con instrumentales en sus grabaciones de estudio que le valieron una buena reputación para un recién llegado al género.  

La muerte en 1966 del propietario del sello King, lo dejó temporalmente en el paro y tuvo que esperar hasta finales de los años sesenta para volver a los estudios de grabación trabajando con la banda del saxofonista King Curtis. De esta colaboración salieron dos excelentes discos: "Freddie King Is A Blues Master" y sobretodo "My Feeling For The Blues".  

Reivindicado por estrellas del blues británico como Eric Clapton o Peter Green, en 1970 fichó por el sello Shelter y con ellos grabó tres nuevos discos ("Getting Ready...", “Texas Cannonball" y "Woman Across The River") que, aunque con un sonido más rock, conservan la potencia y el feeling del King original. Desde ese momento Freddie consiguió cierto respeto y éxito internacional que le valieron para actuar por todo el mundo recibiendo un tratamiento similar a una estrella.  

En 1974 comenzó una nueva etapa fichando por la multinacional Polydor y ya en su primer disco, "Burglar", contó con colaboraciones de lujo como la del propio Eric Clapton. En su siguiente trabajo grabado en directo y publicado un año después, "Larger Than Life", podemos escucharlo todavía en plena forma.  

Lamentablemente a su buena forma musical no le acompañaba la salud. El despliegue de energía que ofrecía en cada uno de sus conciertos llegó a provocarle un infarto que le causaría la muerte prácticamente con las botas puestas, poco después de una actuación en la ciudad de Dallas. Freddie murió repentinamente en una época en la que volvía a actuar con frecuencia y cuando su carrera parecía despegar definitivamente. Era la Navidad de 1976.

DISCOGRAFÍA SELECCIONADA:

- Let´s Hide Away and Dance Away with Freddy King
- Sings
- Texas Sensation
- My Feeling For The Blues
- Getting Ready…
- Texas Cannonball
- Woman Across The River
- Burglar
- Larger Than Life
- Ultimate Collection

"Hide Away" (En directo 1966)

"Have You Ever Loved A Woman" (En directo 1973)

ERIC CLAPTON

2010-01-13T19:29:00.004+01:00

Voz, guitarra.

A mediados de los años sesenta, debido a su habilidad con la guitarra y muy a su pesar, comenzó a hacerse famosa la frase "Clapton is God" (Clapton es Dios). Aunque dicha afirmación nos pueda parecer exagerada lo que sí es justo reconocer es que a lo largo de los más de cuarenta años de carrera, la influencia de Eric Clapton en la evolución de la música rock y de la figura del guitarrista es enorme. Durante todos esos años llenos de altibajos, siempre estuvo al lado de la música que más pasión despertó en él desde niño: el blues.

Eric Patrick Clapton nació el 30 de marzo de 1945 en Ripley (Inglaterra), hijo ilegítimo de Patricia Clapton y un soldado canadiense destinado en su país, Edward Fryer. Creció en la casa de sus abuelos convencido de que eran sus padres. No sería hasta los doce años cuando su madre reapareciera y descubriera la verdad. Con el paso de los años se mostró cada vez más interesado por las artes y comenzó a entusiasmarse por la música después de escuchar a gente como Elvis Presley o Buddy Holly y sobretodo, a músicos de blues como Muddy Waters, Howlin´ Wolf o Big Bill Broonzy.  

Con dieciséis años ya dedicaba la mayor parte del tiempo a practicar con la guitarra. Dejó los estudios para trabajar en la construcción y cuando logró ahorrar una buena cantidad de dinero, compró una nueva guitarra y comenzó a tocar en clubs de folk por las noches.  

Aunque su primera banda fue The Roosters, el éxito de verdad llegó cuando entró a formar parte de los Yardbirds a finales de 1963. Poco tiempo después, en 1965, desilusionado por el camino que estaba tomando la banda alejándose del blues, entró a formar parte del grupo de John Mayall, The Blues Breakers. Con ellos grabó un álbum que lo catapultó a la fama y que aun hoy sigue siendo uno de los discos más importantes del blues británico. Fue en este trabajo donde cantó por primera vez un tema en solitario, "Rambling On My Mind" de Robert Johnson.  

Un año después, deja el grupo de John Mayall y forma junto a Jack Bruce y Ginger Baker el primer gran grupo de la historia del rock: Cream. Durante 3 años y después de varios discos y multitudinarios conciertos, el grupo se separó debido a las enormes tensiones existentes entre sus miembros.  

En 1969 inició un nuevo proyecto bajo el nombre de Blind Faith junto a Steve Winwood, que tuvo como único fruto un disco y una gira americana. A comienzos de la década tocó en la banda de Delaney And Bonnie y grabó, por fin, su primer disco en solitario titulado "Eric Clapton".  

En 1970 forma otro nuevo grupo al que llamó Derek And The Dominos. Con ellos publicó el mejor disco de toda su carrera, "Layla (And Other Assorted Love Songs)" dedicado a la mujer de George Harrison con la que se casaría más tarde. A pesar de su calidad musical en su día no tuvo el éxito que se merecía y pasó casi desapercibido. En este año, tras la muerte de su padre y de su amigo Jimi Hendrix, Clapton comenzó una adición a la heroína que lo tuvo apartado de la escena musical durante dos años.  

En enero de 1973, tras una exitosa terapia, superó los problemas con las drogas y animado por músicos como Pete Townsend, reapareció en un concierto celebrado en el Rainbow Theatre de Londres.  

En 1974 retoma su carrera en solitario con la publicación de "461 Ocean Boulevard" que lo llevaría a lo más alto de las listas americanas. A partir de este momento la personalidad artística de Clapton comenzó a afianzarse y de esta manera arrancó una producción propia con mayor o menor fortuna con discos como "There´s One In Every Crowd", "EC Was Here", "No Reason To Cry" y sobretodo "Slowhand" que llegó a vender 3 millones de copias. Eran los tiempos en los que precisamente su apodo más conocido, "mano lenta", cobraría mayor fuerza. Su estilo mitad rock mitad blues, enganchó a millares de fans que agotaban las entradas de cualquier ciudad donde tocase.  

Sus siguientes trabajos hasta comienzos de los años ochenta mantuvieron firme su status, pero a lo largo de esta década, debido en parte a sus nuevos problemas (ahora con el alcohol) y al fracaso de su matrimonio, fue cuando perdió la referencia que lo había guiado en los años anteriores y comenzó a ser olvidado por el gran público.   Sin embargo, en 1989 gracias a la publicación de "Journeyman" (que recibió varios premios incluyendo su primer Grammy) y del recopilatorio "Crossroads" (que llegó a ser disco de platino) la figura de Clapton consiguió volver a la de los mejores tiempos.  

Cuando todo parecía ir bien, de nuevo se cruzaría la tragedia en su camino en 1991, cuando su hijo de tan sólo cuatro años muere tras caer al vacío desde una ventana de un rascacielos de Nueva York. Un año después, grabó un concierto acústico para la cadena de televisión MTV que se publicó en agosto bajo el título "Unplugged" y que contiene éxitos como "Tears In Heaven", dedicado a su hijo recientemente fallecido. Este álbum ganó 6 premios Grammy y vendió más de 10 millones de copias en todo el mundo, convirtiéndose en su trabajo de mayor éxito comercial.  

En septiembre de 1994 publica "From The Cradle", su primer disco completo de blues. Este trabajo fue otro éxito rotundo y le valió para ganar un nuevo Grammy y vender más de 3 millones de copias sólo en los Estados Unidos, convirtiéndose en el disco de blues más vendido de la historia. Sin duda uno de sus trabajos clave dentro de su discografía.  

Después de la publicación de otros dos recopilatorios de su mejor etapa en los años setenta ("Crossroads 2" y "Blues") volvió de nuevo a sus raíces cuando, en el año 2000, consiguió cumplir uno de sus sueños: grabar junto a B.B. King. El disco llevó por título "Riding With The King".  

Arropado más que nunca por el blues, en el 2004 publicó un nuevo disco bluesero esta vez homenajeando a uno de sus ídolos (Robert Johnson) "Me And Mr. Johnson", que tendría una secuela posterior en forma de cd y dvd titulado "Sessions For Robert J.".  

La carrera de Eric Clapton aun sigue su curso. Una carrera en la que el sentimiento blues siempre estuvo y estará presente como parte de su personalidad. Como bien dijo en una entrevista, hace ya unos cuantos años: “Durante la mayor parte de mi juventud supe que iba a vivir acorralado y que la única forma de sobrevivir era la dignidad, la valentía y el orgullo. Eso fue lo que descubrí en la música, sobretodo en el blues, porque en el blues siempre habla un individuo que está solo. Es un hombre que se enfrenta al mundo nada más que con su guitarra. Es un hombre que está completamente solo. Es un hombre que no tiene otra alternativa que cantar y tocar para aliviar su dolor".

DISCOGRAFÍA SELECCIONADA:

- John Mayall´s Blues Breakers With Eric Clapton
- Layla (And Other Assorted Love Songs)
- 461 Ocean Boulevard
- Slowhand
- Just One Night
- Crossroads
- Unplugged
- From The Cradle
- Crossroads 2: Live In The Seventies
- Blues
- Riding With The King
- Sessions For Robert J.

"Groaning The Blues" (en directo)

"Tears In Heaven" (MTV Unplugged 1992)